MUSIC CHART JULIO 2007

JULIO 2007 (DEL 16 JUNIO AL 31 JUNIO)

El gran experimento de sonidos que ha creado Bjork con su nuevo albúm Volta se apodera del WeblogMusic Chart con su primer single “Earth Intruders” por 4ta. semana consecutiva. Pero sin lugar a dudas este chart le pertenece a Timbaland que colabora con la primera posición y se apodera al mismo tiempo del segundo lugar con “The Way I are“. El mejor debut para la revelación inglesa Kate Nash y su single de presentación “Foundations“

1. Earth Intruders – Bjork
2. The Way I Are – Timbaland feat. Keri Hilson
3. Icky Thump – The White Stripes
4. Umbrella – Rihanna ft Jay-Z
5. What I’ve Done – Linkin Park
6. Relax (Take It Easy) – Mika
7. Big Girls Don’t Cry – Fergie
8. Give It to Me – Timbaland featuring Nelly Furtado and Justin Timberlake
9. Makes Me Wonder – Maroon 5
10. Foundations – Kate Nash (BEST HOT DEBUT !!!)
11. Smashing Pumpkins – Tarantula
12. I Don’t Wanna Stop – Ozzy Osbourne
13. Hey There Delilah – Plain White T’s
14. When You’re Gone – Avril Lavigne
15. Party Like A Rockstar – Shop Boyz
16. Black Mirror – Arcade Fire
17. Brianstorm – Arctic Monkeys
18. Working Class Hero – Green Day
19. (You Want To) Make A Memory – Bon Jovi
20. Rehab – Amy Winehouse
21. I Still Remember – Bloc Party
22. Last Night – Diddy feat. Keyshia Cole
23. Never too late – Three Days Grace
24. Beautiful Liar – Beyoncé & Shakira
25. Home – Daughtry

NOTE: WEBLOG MUSIC Chart es una recopilacion (aproximada) de los Charts Mundiales mas importantes: BILLBOARD, UK CHARTS, WORLD CHART, que usan los datos de las ventas de discos (Single, LP o Album) en formato digital y CD y la medición de popularidad de las radios mas importantes para determinar el single mas popular en el Mundo. Este chart es solo una aproximacion a los conteos mensuales y las tendencias de este weblog.

JULIO 2007 (DEL 01 JUNIO AL 15 JUNIO)

El gran experimento de sonidos que ha creado Bjork con su nuevo albúm Volta se apodera del WeblogMusic Chart con su primer single “Earth Intruders” por 2da. semana consecutiva. El mejor ingreso al chart es para Timbaland que posee dos singles y una colaboración con Bjork, esta vez lo hace con Keri Hilson y el segundo single de su último albúm “The way I are“.

1. Earth Intruders – Bjork
2. Icky Thump – The White Stripes
3. Umbrella – Rihanna ft Jay-Z
4. What I’ve Done – Linkin Park
5. I Don’t Wanna Stop – Ozzy Osbourne
6. Hey There Delilah – Plain White T’s
7. Give It to Me – Timbaland featuring Nelly Furtado and Justin Timberlake
8. Makes Me Wonder – Maroon 5
9. Smashing Pumpkins – Tarantula
10. Relax (Take It Easy) – Mika
11. Big Girls Don’t Cry – Fergie
12. Party Like A Rockstar – Shop Boyz
13. Black Mirror – Arcade Fire
14. Brianstorm – Arctic Monkeys
15. The Way I Are – Timbaland feat. Keri Hilson (BEST HOT DEBUT !!!)
16. I Still Remember – Bloc Party
17. Working Class Hero – Green Day
18. (You Want To) Make A Memory – Bon Jovi
19. Rehab – Amy Winehouse
20. When You’re Gone – Avril Lavigne
21. Beautiful Liar – Beyoncé & Shakira
22. Home – Daughtry
23. Last Night – Diddy feat. Keyshia Cole
24. Never too late – Three Days Grace
25. Girlfriend – Avril Lavigne

NOTE: WEBLOG MUSIC Chart es una recopilacion (aproximada) de los Charts Mundiales mas importantes: BILLBOARD, UK CHARTS, WORLD CHART, que usan los datos de las ventas de discos (Single, LP o Album) en formato digital y CD y la medición de popularidad de las radios mas importantes para determinar el single mas popular en el Mundo. Este chart es solo una aproximacion a los conteos mensuales y las tendencias de este weblog.

LINKIN PARK – MINUTES TO MIDNIGHT

Minutes to Midnight es el tercer álbum de estudio de la banda californiana Linkin Park. Salió a la venta el 14 de mayo de 2007 en la mayoría de los países, y el 15 de ese mismo mes en los Estados Unidos. Contiene 12 canciones y demuestra un cambio considerable en el estilo del grupo. La banda propone un nuevo estilo bastante diverso y los mensajes de las canciones son más humanos. Si hasta ahora existía un grupo que era una apuesta segura en el sentido de no decepcionar a sus fans, éste era Linkin Park. Sus dos primeros trabajos seguían las mismas coordenadas, dentro del nu-metal, y eso era algo que volvía locos a sus fans. Ahora, tres años después de Meteora, vuelven con Minutes to Midnight (Warner), y la intención de tirar por los suelos cualquier imagen que tengas de ellos.

Cuatro años después, la banda intenta superar el estigma del nu metal con su nuevo álbum, ‘Minutes to midnight’. “Hybrid Theory”, y “Meteora”, son dos grandes discos iconos quizás de la historia de la música por incursion en el Numetal aunque a muchos les parecian el mismo disco en dos partes. Pues bien, esto ya no se repite con “Minutes to midnight”, Linkin Park a cambiado, ya no son Nu-Metal, donde se les encasillo anteriormente, eso a quedado atras, y dan paso a un disco mucho mas maduro, y dejando atras los riffs del guitarrista Brad Delson, el rapeo de Mike, los schach de Mr. Hanh y dando paso a unas guitarras mas curtidas (es un cambio muy sustancial respecto al del anterior cd, un cambio muy bueno), un Mike que llega a rapear en un par de canciones como de verdad sabe, pasa tambien a hacer unos buenos coros, e incluso marcarse una cancion cantando melodicamente el solito. Estamos ante un buen disco, y de hecho mejor que cualquiera de los anteriores, Linkin Park lo anucio y asi es.

Y es que los americanos que han crecido viendo la MTV han cambiado el nuevo metal por el rollo emo rockero de grupos con amplio seguimiento como Fall Out Boy o Chemical Romance o Panic! at the disco, bandas que, no por casualidad, planean sobre los nuevos Linkin: van a girar este verano en Estados Unidos con los segundos y sus críticos ya les han llamado Fall out Park, a la vista del alejamiento del híbrida numetalero que elevó por encima de los 14 millones las ventas acumuladas de su debut ‘Hybrid theory’ (00) y ‘Meteora’ (03).

«Han pasado ya siete años desde que comenzamos y hemos cambiado y aprendido mucho en todo este tiempo; cuando grabamos ‘Hybrid theory’ teníamos entre 18 y 24 años y unas 30 canciones para elegir. Ahora nosotros y ellos hemos cambiado. En este disco empezamos a trabajar a partir de 130 canciones. Elegir las mejores ha sido un proceso muy largo y duro. Eso, unido al concepto artístico del disco, que cuidamos mucho, ha alargado los plazos. Este disco es el resultado de año y medio de errores, experimentos, ideas y mucho trabajo. Hemos asumido muchos riesgos para tratar de no repetirnos haciendo un tercer capítulo de una trilogía o algo así. Cada vez que algo nos sonaba como los discos anteriores, lo desechábamos inmediatamente. Las nuevas canciones apuntan en muchas direcciones y, en su conjunto, el disco no se parece a los anteriores», explica el cantante Chester Bennington.

Linkin Park recurrieron al solicitado productor Rick Rubin, una especie de hombre para todo del rock (por algo le llaman Mr. Fix it) que ha estado detrás de álbumes de gente tan dispar como RCHP, Beastie Boys, Run DMC, Jagger, Slayer, Johnny Cash, Jayhawks o Dixie Chicks. Una elección que en principio no fue del agrado de buena parte de sus fans, pero que el grupo considera «una gran experiencia».

El contacto de Linkin Park con el fundador de Def Jam, sello crucial en la colisión rock-rap, surgió a raíz de escuchar su trabajo con Jay Z mientras se encontraban en el momento de reciclar sus canciones con el millonario rapero. «Nos gustó mucho lo que había hecho con temas como ‘99 problems’ y pensamos que estaría bien trabajar con él. No sólo ha producido discos de algunos de nuestros grupos favoritos, como System of a Dawn, Slayer, Public Enemy, Bestie Boys o Run DMC. También es un tío muy versátil, capaz de trabajar con artistas como Neil Diamond o Dixie Chicks. Nos dio algunos consejos que nos ayudaron de cara a nuestro nuevo disco. Nos dijo que nos olvidáramos de cómo se esperaba la gente que sonáramos y que hiciéramos lo que quisiéramos, la música que tuviéramos dentro, la que sintiéramos. Rick ha sido el tío ideal para entender todo lo que queríamos mezclar sin dejar de ser reconocibles», justifica el sampleador, guitarrista ocasional y rapero reconvertido en cantante Mike Shinoda (aka Shinnizle o The Glue), que pasa por ser otra voz dominante en el grupo junto al bajista y cerebro en la sombra Dave ‘Phoenix’ Farre.

En Minutes to Midnight, Linkin Park no muestran ni un ápice de nu-metal. De hecho, a juzgar por este disco, ya no tendrían que ser considerados una banda de metal, sino una de rock de masas. Y es que, pese a que el single del nuevo trabajo, ‘What I’ve Done’, es la canción más parecida a sus dos discos anteriores, es sólo un farol que se marca el grupo para que el desengaño de sus fans no sea tan grande desde el principio.

Significado del titulo

En una entrevista, Chester explicó el porqué del nombre del nuevo CD. El título hace referencia al Doomsday Clock, creado por científicos de la ciudad de Chicago durante la Segunda Guerra Mundial. Este reloj indica “cuán cerca de la medianoche estamos” (en términos metafóricos, significa “cuán cerca del final estamos”) en forma de minutos. Los diferentes acontecimientos ocurridos durante y después de la Segunda Guerra alteraron los minutos restantes para la “medianoche”. Actualmente estamos a 5 minutos.

El título, más allá de ser “apocalíptico”, pretende marcar también un cambio en la banda en todo sentido, tanto en las líricas como en el uso de los instrumentos. Este es un cambio que se hará visible en este nuevo CD, según se ha prometido.

EL DISCO

Lo de ser reconocibles es más bien relativo al escuchar ‘Minutes to midnight’, álbum breve que pierde irremisiblemente fuerza según avanzan los cortes. Con doce temas justificados en el amplio y cuidado libreto interior y sin plantear una ruptura tan radical con el nu metal como auguraba, la tercera entrega de estudio de los californianos tiene menos pegada heavy y combina temas de stadium rock a lo U2 o los Metallica de ‘Load’, cortes melódicos con punto oscuro de Evanescence, alguna balada casi propia de Coldplay y no pocas evocaciones a la angustia de los más triviales y teatrales grupos de emo adolescente.

El disco abre con la intro Wake, ya nos anuncio desde el comienzo que estamos ante algo diferente.

Dando paso a “Given Up”, los ritmos de la batería al estilo punk rock son potentes, las guitarras pesadas, y Chester Bennington canta con todos sus pulmones, con un estribillo muy potente que se queda en la cabeza desde un principio.

La tercera pieza del disco es “Leave Out All The Rest”, seguramente uno (de los seguro que muchos) single del disco, primera cancion lenta, algo a lo que no nos tenian acostumbrados, pero que no por ello tiene nada de malo, el ritmo es marcado por una base, mientras Chester sigue perfecta con su voz.

En “Bleed It Out” volvemos a ver a un Mike rapeando y haciendo de las suyas, seguido de la potente voz de Chester en el estribillo, marcando el guion al que en los anteriores discos nos tenian acostumbrados: introducción de guitarras, voces en rap melódico, voz melódica/agresiva de Chester Benington, bajo y batería que rallan a buen nivel. Pero no por ellos deja de ser una mala cancion, una buena introduccion con toda esa gente gritando, y una guitarra pegadiza, de lo mejor del disco, y buen siguiente single.

“Shadow of the day”, es una otra historia, una cancion Pop, que mantiene el ritmo en toda la cancion, recordando a U2 en sus tiempos.

Seguimos y nos topamos con “What I’ve Done”. Comienza increiblemente con ese piano, unas voces increibles durante la parte central del tema, antes de desarrollarse en un puente brillante y un final climático, muy buena eleccion como primer single.

En su crisis o búsqueda de su nueva identidad, Shinoda hasta se ha reconvertido en cantante gruñidor y el cuidado del lenguaje que les hacía originales en su género ha dado paso a las etiquetas de letras explícitas que, paradójicamente, contrastan con ese amén propio del rock cristiano que sueltan en ‘Hands held high’, otra soflama anti Bush que no deja de ser uno de los temas más potentes del disco. Una parte que llama la atencion es el canto melódico de Chester viene después pero el tema central de esta canción parece ser soldados volviendo a casa tras la desgracia de la guerra, una buena cancion.

Ya nos vamos hacercando al final del disco, y nos traen la cancion con las guitarras mas pesadas del disco, pero que no dejan de ser buenas. Nos abre la cancion con una espeluznante guitarra pincipal, seguido por un bajo y bateria que bien marcan el ritmo a segir, la melodía fluye naturalmente con un puente pesado seguido por una modulación y gritos aún más agudos, sin ningun arreglo por parte del DJ del grupo.

“No More Sorrow” (el único atisbo de metal del disco) nos devuelve a un sonido mas calmado, como vimos en anteriores canciones, balada triste que Chester sabe marcar, pero que no llega a ser buena hasta pasados los 2 minutos de cancion.

“In Between” nos sorprende con un Mike cantando melodicamente, con una cancion con un buen ritmo, y una buena melodia. Pero ahora llega el mejor momento del disco con dos canciones apoteosicas, la primera es “In Pieces”, comienza con el rítmico sonido de una batería sintética, imposible no ser arrastrado adentro. El conmovedor piano y bajo poderoso prueba ser una combinación ganadora para la banda – con voces en lo mejor y eventualmente más guitarras distorsionadas, sin gritos. La canción va más despacio y termina dramáticamente con un simple golpe y un punteado de guitarra al estilo ska.

Puestos a caer en tópicos y pese a recalcar aquello de que «no somos una banda política», hasta han filtrado críticas a Bush y al desastre del ‘Katrina’ en ‘The little things give you away’. Es esta probablemente la canción que mas sorprenda. Guitarra acústica y Linkin Park en la misma oración, asi es, acompañando la melodica voz de Chester, que llega a su apogeo en un magnifico estribillo. Todo vuelve a cambiar cuando un solo de guitarra en mitad de la cancion como si ella misma cantara la letra, sin duda el mayor esfuerzo a nivel creativo y compositivo que Linkin Park hayan hecho jamás.

Track listing

1. “Wake” – 1:40
2. “Given Up” – 3:09
3. “Leave Out All the Rest” – 3:29
4. “Bleed It Out” – 2:44
5. “Shadow of the Day” – 4:49
6. “What I’ve Done” – 3:25
7. “Hands Held High” – 3:53
8. “No More Sorrow” – 3:41
9. “Valentine’s Day” – 3:16
10. “In Between” – 3:16
11. “In Pieces” – 3:38
12. “The Little Things Give You Away” – 6:23

B-Sides

• “No Roads Left” – 3:48 (B-side released with all pre-orders of the iTunes version of the album)
• “No More Sorrow” – 3:47 (Live) (Best Buy purchase and Zia Records Bonus Track, originally performed at AOL Sessions on March 5, 2007)
• “Given Up” – 3:11 (Live) (Best Buy purchase Bonus Track, originally performed at AOL Sessions on March 5, 2007)
• “What I’ve Done” – 3:27 (Live) (Best Buy purchase and Itunes Bonus Track, originally performed at AOL Sessions on March 5, 2007)
• “Breaking the Habit” – 4:23 (Live) (Wal-Mart purchase, originally performed at Wal-Mart Soundcheck in 2007)
• “What I’ve Done” – 3:24 (Live) (Wal-Mart purchase Bonus Track, originally performed at Wal-Mart Soundcheck in 2007)
• “Faint” – 2:46 (Live) (Japanese edition Bonus Track)

En su conjunto, ‘Minutes to midnight’ conserva poco de su batido de rock metálico, rap de vieja escuela, desgarro vocal y melodía aderezado con electrónica ochentera, aquel híbrido con el que arrancaron Linkin Park cuando el guitarrista Brad Delson y el cantante, diseñador gráfico y rapper Mike Shinoda se aliaron primero al batería Rob Bourdon y después al DJ Joseph Hahn.

Para bien o para mal, la nueva apuesta de ‘Minutes to midnight’ no ha dejado indiferentes a los seguidores del grupo. Su sector más hardcore lo ha puesto a parir y el resto lo ha saludado como lo mejor de su discografia. En todo caso, las ventas, sin llegar a las cotas de su debut, les están dando la razón. El disco ha entrado al ‘número 1’ en casi veinte países, entre los que figuran los tres mercado más importantes del mundo -Alemania, Reino Unido y Estados Unidos-, donde han batido los récords de ventas del año.

Esto nos lleva a concluir que, en conjunto, Minutes to Midnight es un disco con buenas canciones que desconcierta por su gran número de baladas, algunas de ellas (como ‘Shadow of the Day’) en las que invocan sin tapujos a U2. No son mas la banda de rock para adolescentes que nos dejo sin voz de tanto cantar “In the end” (una de las mejores canciones de la historia del rock) o “Faint”. La nueva dirección de la mitad contundente de Minutes to Midnight es sin duda la correcta, pero la otra mitad puede que tan sólo sea la comercialmente necesaria.

VIDEO: WHAT I´VE DONE – LINKIN PARK

PUNTUACION: 8.0 / 10

ARCADE FIRE – NEON BIBLE

Arcade Fire es un numeroso grupo nacido en Montreal, Canadá. Su estilo es calificado como “post-rock experimental”, art-rock e indie rock. El grupo está compuesto por Win Butler, Régine Chassagne, Richard Reed Parry, William Butler, Tim Kingsbury, Sarah Neufeld y Jeremy Gara. Desde mayo de 2005 la banda incluye en sus conciertos a Pietro Amato que toca la trompa y al violinista Owen Pallet.

Arcade Fire han conseguido introducir instrumentos que no son frecuentes en una banda de rock como pueden ser violines, violas, violonchelos, pianos, mandolinas, ukeleles, acordeones, xilófonos y hasta reliquias medievales como la zanfona, consiguiendo unos sonidos completamente nuevos que funcionan muy bien con sus complejas y rítmicas letras.

Arcade Fire se crearon entorno al matrimonio formado por Win Butler y Régine Chassagne. Sus inicios se remontan a mediados del año 2003 y la actual formación se consolidó entre finales de 2003 y principios de 2004, cuando se grabó su primer álbum (Funeral). Anteriormente a este álbum grabaron un EP (de nombre Arcade Fire y conocido por sus seguidores como Us Kids now) que vendían en sus primeros conciertos. Cuando la banda comenzó a adquirir relevancia, el EP fue remasterizado y puesto a la venta.

Arcade Fire es conocido por sus cautivadoras presentaciones en vivo, así como por el uso de un gran número de instrumentos musicales. En adición a los tradicionales guitarra, batería y bajo, los miembros tocan el piano, violín, viola, cello, bajo doble, xilófono, teclados, cuerno francés, acordeón, el hurdy gurdy y el arpa. Con variados músicos eximios, la banda lleva su diversidad instrumental en sus tours haciendo que estos mismos miembros vayan cambiando de instrumentos en los shows en vivo

El número de instrumentos, junto con un amplio repertorio de influencias les han proveído de una enorme paleta sonora al momento de grabar su música. La espectacularidad y originalidad de sus conciertos les permitió sellar un contrato con la discográfica independiente Merge Records.

Consultado acerca del rumor sobre si el origen de la banda se refería a un fuego dentro de un juego de arcade, Win Butler respondió: “No se trata de un rumor, esta basado en una historia que alguien me contó, no se trata de un hecho real sino que yo lo tomo como si hubiese sido real. Yo diría que es probablemente algo que un chico inventó, pero que yo en ese tiempo creí.” El juego en cuestión estaba ubicado en el centro comercial de Exeter, New Hampshire, donde Butlers asistió a la Phillips Exeter Academy.

NEON BIBLE

Neon Bible es el segundo álbum de estudio de los canadienses Arcade Fire. Fue lanzado el 5 de marzo de 2007 en Europa y el 6 de marzo en Norteamérica. El disco fue distribuido por Rough Trade en el Reino Unido y por Merge Records en Estados Unidos. Neon Bible o lo que es lo mismo, la Biblia de Neón, es el último trabajo de este grupo que fue uno de los más aclamados del 2005. Ganaron muchos simpatizantes con su primer disco, Funeral. La crítica lo calificó como uno de los mejores discos del año. El primer trabajo de los canadienses estuvo marcado por muertes de familiares de los miembros, de las cuales se destaca la del abuelo del cantante, guitarrista y compositor de la mayor parte de las canciones.

No es fruto de la casualidad que el título del nuevo disco de Arcarde Fire sea idéntico al de “la otra” novela de John Kennedy Toole, el malogrado autor de La conjura de los necios. Para quien lo desconozca, Toole se suicidó en 1969 tras la negativa de unos editores a publicar La conjura, libro que, consideraron, no trababa de nada. En 1980 conseguía el premio Pulitzer. Mucho tiempo antes, siendo todavía un adolescente, escribiría La Biblia de Neón, una crítica satírica de un pueblo dominado por el fanatismo religioso. Rodeados de este mismo halo de desgracia, tremendismo y dolor, y la apoteosis acústica que ya acompañó su disco debut, Funeral, regresan de nuevo los canadienses.

Las nuevas y emotivas canciones que se incluyen en esta Neon Bible fueron concebidas en una pequeña iglesia del siglo XIX situada a las afueras de Montreal, grabadas en directo al estilo de los viejos discos de los 60 y con la colaboración del legendario productor Bob Johnston (responsable del Blonde On Blonde de Bob Dylan o Songs Of Love And Hate de Leonard Cohen, por poner dos ejemplos). Como en Funeral, conforman el esqueleto musical del disco diversos instrumentos como organillos, bombos de metal, acordeones, flautas e, incluso, un órgano de iglesia. Como en su disco debut, detrás esos sonidos repletos de vitalidad y épica (bien entendida) encontramos una letras plagadas de historias oscuras y trágicas.

El primer single, “Intervention”, fue lanzado en iTunes el 28 de diciembre de 2006. Más tarde, la propia banda reveló los detalles del álbum en un vídeo promocional en YouTube. Semanas después el álbum se filtraría y distribuiría por internet casi un mes antes de la salida oficial.

El 26 de junio de 2006, Win Butler anunció que la banda había progresado en el trabajo de composición del nuevo álbum y que contaba con quince canciones para grabar, usando una amplia variedad de nuevos instrumentos. Algunas de estas grabaciones se hicieron en la sala de estar de la casa de Win y Regine.

Posteriormente, el 14 de julio de 2006, Win anunciaba en su diario digital que el nuevo álbum sería producido por el grupo, diciendo que “Después de intentar decidir si debíamos trabajar con algún productor nos dimos cuenta que ya sabíamos como queríamos que las cosas sonaran, así que debíamos correr detrás de ese sonido lo más pronto que pudiéramos y no confiar en alguien más para guiar el buen barco de Arcade Fire.” También indicó que la banda iba a trabajar con los ingenieros Scott Colburn y Marcus Dravs.

La gira para el año 2006 fue anunciada en diciembre de 2006. Los primeros conciertos tendrían lugar en Londres (del 29 de enero al 2 de febrero), tres en St Johns Smith Square y dos en Porchester Hall. Es reseñable que ambas localizaciones están más relacionadas con la música clásica que con el rock. Así mismo darían cinco conciertos en su ciudad natal Montreal. El álbum fue lanzado el 5 de marzo de 2007 (6 de marzo en Norteamérica), el primer single en Norteamérica fue “Black Mirror”, mientras que en el Reino Unido se lanzó “Keep the Car Running”.

Lo primero es entender que Neon Bible es muy distinto a Funeral (Merge, 2004), sin perder principios claves y acumulando la experiencia de los conciertos. Rayos desordenados disparados al cielo, un fino hilo de racionalidad bajo la urgencia y el frenesí, oscuridad desde el fondo y muchos segundos incendiados en un juego carnavalesco y alucinado. Pasión religiosa de blues y baladas que transmutan en corrientes de post-punk y new wave (menos ahora) y un pop sinfónico que puede recordar las ambiciones de Mercury Rev con el alboroto caricaturesco de Arhictecture in Helsinski. La comunidad de Arcade Fire sigue tomándose muy en serio, y se juegan el todo o nada, con una consistencia brutal que no da tiempo a los baches, cubriendo todo de una emoción instrumental que encuentra un faro lírico en Win Butler (guitarra y voz). Arcade Fire es único en su estilo pop-punk de múltiples influencias, pero esta vez lo han extremado, perdiendo elegancia y sutileza en el entramado total. Neon Bible se diferencia naturalmente de Funeral, porque no tendría razón emular un disco tan singular y porque significa un nuevo salto sin red.

De hecho, Neon Bible es más salvaje que Funeral. Arrancan con la misteriosa ‘Black Mirror’, gema fría, ligero calentamiento de lo que viene después, bajo la cadencia de Lou Reed en su tradición de oscura sensualidad: “Black mirror knows no reflection/ it’s no pride or vanity/it cares no about your dreams/it not cares for your pyramid schemes”. La pesadilla se convierte en escape con ‘Keep the car running’, hasta ahuyentar los miedos con ‘Neon Bible’. La primera, banjo, acordes graves de guitarra sureña y soundtrack de carretera para un ritmo campechano, que anima la danza pensando en Johnny Cash con arranques del rock’n roll de Presley , aunque los miedos sigan en lo profundo. ‘Neon Bible’, tal como el disco, toma su nombre de la primera novela de John Kennedy Toole (1937-1969), escritor americano de Louisiana quien se suicidó violentamente a los treinta y dos años y dejo una gran obra póstuma, merecedora del Pulitzer: La Conjura de los Necios. Su vida y su obra reflejan aquella comunidad norteamericana –el underground intelectual y contestatario- cuyo genio es demasiado brillante y frágil para encontrar cabida en el mundo actual. Win y Regine recitan con dulzura el amargo veneno, cuando el miedo y la esperanza se confunden bajo la luz de neón: “Neon Bible, no most chance for survival”. Debe ser la canción más tranquila en el repertorio de estos canadienses, bañada por la calma de pares como M. Ward.

Luego, las cosas se trastornan y es entonces cuando Arcade Fire dan cuenta de rumbos silvestres. Los picos más altos de esta montaña mágica son ‘Intervention’, “Ocean of Noise’ y ‘No Cars go’. Aprovechando el órgano de tubo como plataforma y crítica, ‘Intervention’ construye la historia anónimo de un soldado de guerra condenado a ser consumido por la guerra y el olvido; blues de guerrilla, contemporáneo que derriba ídolos. ‘Ocean of Noise’ nos devuelve a las baladas tristes y pasivas de Funeral, con una pasión amorosa hermana de Nick Cave para florecer en el más puro romanticismo de bronces (¡Calexico!), guitarras aullando lejos en un bar terrible y un piano impasible. Por cierto, todo el álbum se apoya en una ambición sinfónica sin igual, con el trabajo de cuerdas de una orquesta húngara, violines y otras curiosidades como el empleo de un Hurdy Gurdy, instrumento de cuerdas propio del folk francés.

‘No Cars go’ merece mención aparte. Es curioso que sea lo mejor que haya hecho Arcade Fire sin ser totalmente nuevo (estaba ya en su ep homónimo del 2003). Simplemente, se puede decir que una banda puede desaparecer tranquila tras crear una aventura mítica de este calibre. Es su ideal estético de belleza llevado al máximo – niños creciendo en un mundo extraño, refugiados en sus fantasías con la fuerza fraternal del talento concentrado-, una suerte de Historia sin Fin, nostálgico, esperanzado, otro himno que no será generacional, pero sí magnífico para quien sea arrastrado por sus casi seis minutos de alegría.

Arcade Fire lucha contra el bien y el mal. ‘Black Wave/Bad Vibrations’ se interna en lo profundo del mar con la voz aguda y encantada de Règine, para desaparecer con el vendaval y la gran ola negra que absorbe esta canción en el final apocalíptico, imprevisto. ‘The Well and the lighthouse’ recuerda porque este grupo fue reconocido junto a Interpol y otros de la camada, pero las múltiples piruetas y recursos dan muestras de un colectivo mucho más avanzado que el simple revival post-punk. Tanto ‘Windowstill’ como ‘Antichrist Televisión Blues’ muestran sin pudores los demonios propios con que lucha Win Butler, de la infancia, la adultez y el futuro, con un talante de cantautor que puede ser tan molesto como sincero, según se mire. Y ‘My body is a cage’ funciona como final quebrantahuestos – con su pesada sección final con coros soul- pero ‘’Back Seat’ demostraba que no era necesario clavar tanto los dientes para dar la mordida melodramática.

VIDEO: ARCADE FIRE – BLACK MIRROR / NO CARS GO

Track listing

1. “Black Mirror” – 4:13
2. “Keep the Car Running” – 3:29
3. “Neon Bible” – 2:16
4. “Intervention” – 4:19
5. “Black Wave/Bad Vibrations” – 3:57
6. “Ocean of Noise” – 4:53
7. “The Well and the Lighthouse” – 3:56
8. “(Antichrist Television Blues)” – 5:10
9. “Windowsill” – 4:16
10. “No Cars Go” – 5:43
11. “My Body Is a Cage” – 4:47

The song “No Cars Go” is a new recording featuring full orchestral arrangement of an earlier version on the band’s self-titled EP from 2003.

Editions

The deluxe case (left), and the regular version (right)

• Regular CD
• Deluxe CD, in a paperboard clamshell box (which has a lenticular front cover) with two 32-page flip books designed by Tracy Maurice.

The vinyl version of the album, showing the etching on the 4th side.

• Double LP, featuring the album on 3 sides of the vinyl and an etching on the 4th side. The album also comes with a code that allows purchasers to download the entire album in the MP3 format. Due to manufacturing delays, the vinyl’s release was pushed back to May 8, 2007.

El 24 de febrero actuaron en el Saturday Night Live interpretando “Intervention” y “Keep the Car Running”.

Neon Bible fue grabado en el interior de una iglesia de Montreal el cual le da al disco un sonido mucho mas acustico y espectral. La rareza del disco es origen de su diversidad de sonidos. Grabaron los temas en una iglesia acondicionada para la ocasión. Utilizaron un órgano militar y una orquesta húngara.

En el álbum se han utilizado entre otros instrumentos: órgano, zanfonía, trompa militar y toda una orquesta húngara. Win Butler describió el sonido del álbum como “permanecer de pie sobre el océano”.

PUNTUACION: 8.5 / 10

FAVOURITE WORST NIGHTMARE – ARCTIC MONKEYS

Arctic Monkeys son una banda de indie rock procedente de High Green, un barrio de Sheffield, Inglaterra. Sus primeros dos sencillos, “I Bet You Look Good On the Dancefloor” y “When The Sun Goes Down”, fueron directos al número 1 de la lista de singles del Reino Unido, y el álbum de debut de la banda, Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not, tiene el record como el álbum de debut más vendido en sus primeras semanas en el Reino Unido, superando al Definitely Maybe, disco de debut de los legendarios Oasis. La banda ganó el premio “Best New Act” en los “Brit Awards” de 2006, y crearon historia en los premios de NME de 2006 al convertirse en la primera banda en ganar el premio a la “Mejor Nueva Banda” y “Mejor Banda Británica” en el mismo año.

Las raíces de la banda en el norte de Inglaterra a menudo se destaca como elemento clave del estilo del grupo, y han sido etiquetados como los Libertines del norte, mientras su sonido único y sus letras irónicas – a menudo con crítica social – se han comparado a las de The Jam, Blur, Pulp y The Streets. La banda está formada por Alex Turner (voz y guitarra), Jamie Cook (guitarra rítmica), Matt Helders (bateria y coros) y Nick O’Malley (bajista); este último incorporado a la banda en junio de 2006 tras el abandono de Andy Nicholson.

Es raro el fenómeno del cuarteto de Sheffield: no parecen mejores músicos que bandas como The Strokes, están lejos de las pretensiones de otras como Arcade Fire y no inventan nada nuevo. Pero así y todo su disco debut, el multiventas Whatever People Says I Am, That’s What I’m Not, fue ungido por sus compatriotas como “uno de los cinco debuts más importantes en la historia del rock británico”. Todo gracias a un puñado de riffs contundentes, letras que hablaban de las vicisitudes de la clase obrera y un sonido que emulaba la urgencia de un grupo como The Libertines.

Si Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not había alcanzado tamañas dimensiones mediáticas, Favourite Worst Nightmare resulta su continuidad lógica. En sus 12 tracks, los Monkeys siguen apostando por su vieja fórmula: guitarras afiladas, arrebatos de post punk sincopado y fervorosos destellos como ‘Brianstorm’, un primer single que ineludiblemente recuerda a The Jam. También hay novedades: el tono intimista con que el cantante Alex Turner aborda un tema como ‘505′ (con piano a la Ennio Morricone) y las excelentes líneas de bajo que imprime por pasajes el nuevo integrante Nick O’Malley.

Puede parecer que exista una pieza faltante en Favourite Worst Nightmare: todavía existen las letras astutas, si en el primer álbum “When the sun goes down” hablaban de un modo muy hábil acerca de la prostitución, ahora en “Fluorescent Adolescent” ya hablan de cómo la ‘madurez sexual’ es sinónimo de ‘amargura sexual’, en la pícara manera que siempre lo hacen “You used to get it in your fishnets /Now you only get it in your night dress /Discarded all the naughtiness for niceness /Landed in a very common crisis”, pero lo que ya no se puede encontrar en su segundo álbum son esas melodías valemadristas, como “Fake tales of San Francisco” o “I bet you look good on the dance floor”, ni su característico humor up-beat post-punk; Favourite Worst Nightmare se llena de elementos como lo oscuro, lo sombrío, lo confiado y lo emocional, logrando hacer lo callado, escandaloso.

El productor del Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not fue Jim Abbiss, productor también de Goldfrapp, Björk y Massive Attack, eslabón indispensable para el exitoso debut de los Arctic Monkeys; para Favourite Worst Nightmare, pidieron las manos redentoras de Mike Crossey y James Ford, el primero colaboró con The Zutons y The Black Velvets entre otros, y el segundo, James Ford miembro de Simian Mobile Disco, es el autor de la fama ahora mundial con la que cuentan nada más y nada menos que los Klaxons y aparentemente no es por coincidencia que “Brianstorm” comience con una escandalosa alabanza al nuevo y cada vez más explotado NuRave.

LA CRITICA

“‘Favourite Worst Nightmare’ es totalmente equivalente a su predecesor” (Andrew Perry, The Telegraph).

“¿Qué continuación puede tener el mejor álbum de debut en los últimos años? En el caso de los Arctic Monkeys, el mejor segundo álbum. Es un sueño hecho realidad.” (Pete Paphides, The Times).

El debut 2006 de estos ingleses punky resonó con brillantez sincera al retratar en un fresco sonoro la vida nocturna de la clase obrera de Sheffield (de esa ciudad también son oriundos Pulp y Cabaret Voltaire). Un poco más pesado y no tan urgente, Favourite Worst Nightmare es un disco levemente inferior, aunque de ninguna manera decepcionante. El material básico es igual que el del debut: ímpetu fluido, guitarras duras, y las melodías ágiles y pegadizas de Alex Turner. Temas como “Brianstorm” y “505” suenan a la vez movedizos y sólidos. Y entre otros cortes más tiernos, el ganador es el adorable “Fluorescent Adolescent”, una mirada sobre una chica salvaje domesticada: “You used to get it in your fishnets/ Now you only get it in your nightdress” [solías obtenerlo en tus redes de pescar/ahora sólo lo obtenés en tu camisón]. Aunque se mantienen las instantáneas poco románticas sobre chicos y chicas que recorren discotecas, las letras de Turner son más cortas y algunos temas son menos que memorables que otros. Pero la mayor parte de Favourite Worst Nightmare suena tan sencilla como consistente. La noticia final es, entonces, muy buena: los Arctic Monkeys son los nuevos Arctic Monkeys. (ROLLING STONES)

“Brianstorm” no solo es el primer sencillo de Favourite Worst Nightmare, es la canción con la que los Arctic se dejan caer a la alberca con tiburones, ya que de este sencillo depende como será aceptado el segundo álbum; si comienzan a escribir nuevas canciones y organizar nuevas giras que los llevarán a la gloria o terminarán sirviendo pintas de lager en un oscuro pub de Sheffield, contando sus glorias como rockstars efímeros del MySpace a borrachos que ponen a Oasis en la rockola. Es un gran sencillo, sin duda de los mejores de la primera mitad del año. Es suficientemente rápido, duro y al grano. De alguna manera los Arctic Monkeys saltan del sonido del 2006 al sonido del 2007 con cierta facilidad en la primera parte del disco, mostrándonos una sección rítmica muy bien amarrada y potente. Los Arctic Monkeys trazan un paralelo con los Stones acerca de su propio cisma. La letra de “Brianstorm” comienza con una violenta demostración de lo que las estruendosas, esenciales y enojadas guitarras de Alex Turner y Jamie Cook pueden hacer, “Brian /Top marks for not tryin’ /So kind of you to bless us with your effortlessness /We’re grateful and so strangely comforted”, es una cruda crítica hacia “alguien” que no aguantó lo suficiente en esta pesada ruta hacia el estrellato; quizá el nombre de Andy Nicholson surja si este track se escucha al revés, ya que Andy dejó la banda por “una fatiga extrema causada por la extenuante gira”, pues “…Well see ya later Innovator!”. “Brianstorm”, describe también a un personaje, que responde por el nombre de Brian, aquel engreído poser, que entra a cualquier cuarto pensando que es requerido en ese preciso momento, en su cabeza todas las mujeres mueren por el y todos los hombres lo imitan; saco, corbatas delgadas y Air Force son adjetivos con los que reacciona, en el instante que se liga a una bella jovencita, en busca de un efímero pero satisfactorio encuentro, toma su mano, la besa y se presenta “Storm, Brian Storm”.

VIDEO: BRAINSTORM – ARCTIC MONKEYS

“Teddy Picker” es interesante porque mantiene esa onda rítmica pero a la vez tiene unas guitarras poco convencionales. Ponerle ‘Play’, sentir el inicio veloz y explosivo es una sensación adictiva. “More a question of feeling than it is a question of fun” dice Alex Turner, una declaración muy creíble de no ser porque su música me expresa lo contrario.

La segunda mitad del disco la marca una balada profunda, en canciones como “Only One Who Knows” y “505”, las power ballads del álbum, logran alejar el concepto de poder encasillar a estos artistas, que ya cuentan con la estampa de ‘Internacionalmente reconocidos’ en sus maletas, pues demuestran que en sus composiciones no solo hay restos de cannabis, corcholatas de cerveza y polos sudadas, pero que hay una melancolía: era lo suficientemente tímida para resguardarse detrás de sus instrumentos y no salir en el primer álbum. Son canciones como “Fluorecent Adolescent”, la neo-new wave “Teddy Picker” u “Old Yellow Bricks” las que todavía remiten a su estilo característico ya tan aclamado por las masas, pero con el obvio cambio evolutivo que tarde o temprano llegaría. La segunda mitad sube de tono y de ánimo gradualmente, canción a canción empieza a rockear cada vez un poco más hasta llegar a una energía similar a la del principio. El ritmo y sonido del álbum es una V, sólo baja de ritmo a la mitad.

“This House Is A Circus”, muestra un pesar de su rápido ascenso a la fama, “the more you open your mouth/ the more you are forcing performance/ and all the attention is leading me to feel important/ maybe I’m not just completely obnoxious/ now that we are here, we might as well go too far”. Quizá los Arctic Monkeys no estaban listos para llegar tan rápido a todos los iPods ingleses, y ahora, les es difícil saber qué hacer con tanta fama. No imaginaban que Noel y Liam iban a estar celosos de ellos y que Morrissey iba a salir al quite a defenderlos.

Los personajes de esta secuela tienen mucho que explicar, el nostálgico “505”, que mantiene una relación de larga distancia, en la que al decir “hola” al mismo tiempo tiene que decir “adiós”, pues nunca tiene el tiempo suficiente para estar con su novia; para la mujer en “Do the Bad Thing”, es aguantarse las ganas de quitarse su anillo de casada, imposible, pues ya tiene su mirada en una vulnerable víctima; con “Old Yellow bricks” se da la escena de la persecución, con el hombre que corre lo más rápido que sus piernas lo dejan, pero corre de algo que no conoce, decepcionado porque aparentemente quería algo mejor. De fondo para la historia, los ladrillos con los que están construidos el común de los edificios tradicionales de clase media-baja, en Inglaterra. “If You Were There, Beware” es uno de los mejores momentos del disco con sus riffs chidos. Las rolas enérgicas que finalizan el álbum muestran aún más tintes de lo que está de moda sin alejarse del todo de ese 2006 que los caracteriza. El disco mantiene su sonido no tan rasposo, sombrio o meloso como algunas otras bandas de su era. Un sonido emblemático de los últimos dos años (algo se trae con las tendencias de The Libertines o The Futureheads). Por supuesto tambien presentes el pop sincppado de “Fluorescent adolescent” altamente adictivo y el cool-dance-rock -en la sintonía de Franz Ferdinand- de “Old yellow bricks”.

VIDEO: FLUORESCENT ADOLESCENT – ARCTIC MOKEYS

Track listing

Words written by Alex Turner, except where noted; music by Arctic Monkeys.

1. “Brianstorm” – 2:50
2. “Teddy Picker” – 2:43
3. “D Is for Dangerous” – 2:16
4. “Balaclava” – 2:49
5. “Fluorescent Adolescent” (Turner/Bennett) – 2:57
6. “Only Ones Who Know” – 3:02
7. “Do Me a Favour” – 3:27
8. “This House Is a Circus” – 3:09
9. “If You Were There, Beware” – 4:34
10. “The Bad Thing” – 2:23
11. “Old Yellow Bricks” (Turner/McClure) – 3:11
12. “505″ – 4:13

Bonus tracks

• “Da Frame 2R” – 2:20 (Japan)
• “Matador” – 4:57 (Japan)
• “Brianstorm” (video) – 2:50 (iTunes pre-order bonus)

El escenario, o más bien portada, de Favourite Worst Nightmare, se basa en una obscura y tenebrosa noche, con un edificio que parece igual de muerto por dentro, excepto por tres ventanas, únicamente con la luz prendida, sino que con un papel tapiz aguantable solo por inquilinos bajo una fuerte influencia de estupefacientes, quizá en representación del mensaje que los simios quieren crear en las bocinas, como aquellos adolescentes que no pueden dormir por estar escribiendo canciones, grabando podcasts, o arreglando sus MySpace en la madrugada; a diferencia de Whatever…, que en su portada tenía un hombre que fumaba al mismo tiempo que mostraba una cara de absoluta posesión por el alcohol, un mensaje muy diferente al que ahora quieren enviar, quizá ya dejan atrás las tocadas en los pubs, donde era más importante conseguir el dinero suficiente para comprar decenas de cajetillas de cigarros y la cerveza suficiente para recordar que son los mejores amigos en la faz de la tierra. No sólo la portada del disco cambió, ahora también su logo, que es muy similar al de la serie El Túnel del Tiempo, afirmando que la ciencia ficción es uno de los temas centrales de su película.

En resumen Su segundo LP no transgrede nada ni rompe con ningún formato establecido. Pero al parecer en Favourite Worst Nightmare, es la manera en que tratan de demostrar que ya no son el grupo de adolescentes rebeldes que buscaba la suerte en los conteos de su MySpace. Con melodías poderosas, arraigadas en la estrepitosa saturación pero que al mismo tiempo cuentan con un orden pegajoso, que se puede convertir en hipnótico por los ritmos rimbombantes que se llevan a lo largo del álbum. Un poquito más oscuros y menos poppy que en su esfuerzo anterior, los Arctic Monkeys apuestan una vez más a la potencia de la clásica estructura rocker de bajo-guitarra-batería y a la desestructura particular que, como en una montaña rusa, altera constantemente su velocidad y recorrido en cada tema desdibujando cualquier horizonte de lo previsible. Sin impactar ni decepcionar, esquivan la presión de las expextativas con una inteligente actualización de su sonido. Ni más ni menos.

PUNTUACION: 8.5 / 10

THREE DAYS GRACE – ONE-X

Three Days Grace es una banda canadiense de alternative metal formada en Norwood, Ontario en 1997. Los miembros de la banda son Adam Gontier (vocales y música), Brad Walst (bajo), Neil Sanderson (batería), y Barry Stock (guitarra). Originalmente la banda se formó como un quinteto en 1992 bajo el nombre Groundswell; pero cambiaron su nombre por Three Days Grace y se convirtieron en un trío en 1997. El grupo se mudó de Norwood a Toronto y conoció al productor Gavin Brown, anteriormente de la banda Big Sugar. Brown ayudó a producir su auto-titulado primer álbum, Three Days Grace, el cual fue puesto a la venta en 2003; éste llegó al top diez de las listas de álbumes canadienses, el top 100 de las listas de discos de E.E.U.U. Billboard 200, y al número uno en el Billboard’s Top Heatseekers chart (. El primer single del álbum, “(I Hate) Everything About You”, alcanzó el número uno en Canadá y el top diez en los E.E.U.U.. El segundo single “Just Like You”, le dio al grupo un segundo número uno en Canadá. Un tercer single, “Home”, también fue puesto a la venta, consiguiendo el número uno en Muchmusic Top 30.

Los miembros de la banda estaban todavía en el instituto cuando ellos tuvieron su primera actuación, y ellos actuaron en todas partes donde los aceptaran – incluyendo comienzo para una película. Three Days Grace se trasladó eventualmente a Toronto y fueron presentados al productor Gavin Brown por su viejo manager. La banda dio una habitación privada a Brown, y él seleccionó lo que él sintió que eran las pistas más prometedoras. El grupo entonces produjo una demo para EMI Music que publicó en Canadá. Con Brown en el timón, Three Days Grace grabó “(I Hate) Everything About You”. La canción les permitió llegar a un acuerdo de publicación con EMI, y ellos pronto fueron contratados por Jive después de ser expuesto por el presidente de la empresa. Brown y Three Days Grace fueron enviados a un estudio en Boston, MA, para comenzar el álbum de debut del grupo. La banda completó su álbum autotitulado de larga-duración en Woodstock, Nueva York, en una ubicación aislada libre de distracciones de la gran ciudad. Fuertemente influenciados por Kyuss y Sunny Day Real Estate, la oscuridad, los cuentos muertos de angustia sobre amor provinciano y odio de Three Days Grace les trajeron al grupo la etiqueta de “Próxima Gran Cosa”. El álbum “Three Days Grace” salió el 22 de julio de 2003, a esas alturas “(I Hate) Everything About You” ya era un hit en las emisoras de radio alternativas de Canadá.

Brown ganó un Juno Award en 2004 (ver Juno Awards of 2004) por su producción en el álbum y por su trabajo en Try Honesty de la banda Billy Talent. Three Days Grace también fue nominado para Mejor Grupo Nuevo De El Año, pero perdió en favor de Billy Talent.

Track listing

1. “It’s All Over” – 4:11
2. “Pain” – 3:25
3. “Animal I Have Become” – 3:54
4. “Never Too Late” – 3:35
5. “On My Own” – 3:09
6. “Riot” – 3:27
7. “Get Out Alive” – 4:22
8. “Let It Die” – 3:09
9. “Over And Over” – 3:12
10. “Time Of Dying” – 3:10
11. “Gone Forever” – 3:41
12. “One X” – 4:47
13. “Running Away” (Limited Edition bonus track sold only at Target stores in the U.S.) – 4:00

Su segundo álbum, titulado One-X, fue puesto a la venta el 13 de junio de 2006. Posteriormente la banda inició una gira junto a Staind y Hurt.

Después del suceso alcanzado por su disco debut en 2003 (llamado igual que la banda), Three Days Grace se tomó su tiempo para volver a colocar material en el mercado. Si bien es verdad que buena parte de esos tres años los utilizó para promover el disco, tocando por todo Estados Unidos y su país natal, no es menos cierto que debieron pensar con mucha profundidad el siguiente paso. El éxito de “I Hate Everything About You” podía condenarlos a ser un one-hit wonder para siempre, y aunque el primer álbum no había sido brillante sí había logrado buenas críticas, buenas ventas y una interesante carrera en el chart de la Billboard. “One-X”, lanzado oficialmente en julio, es la respuesta de la banda a todo ese proceso. Y a decir verdad, se nota al escucharlo que es un trabajo elaborado concienzudamente. El primer corte, “Animal I Have Become”, no sólo los liberó del fantasma anterior sino que superó con creces a “I Hate…”, con posiciones en ocho charts distintos, incluyendo dos número 1 simultáneos en Mainstream y Modern Rock.

“Pain”, en tanto, se encargó de demostrar que podía haber más de un hit por disco, y que además Three Days Grace estaba capacitado para innovar en su propia música. No todo en este disco es riff, ritmos constantes y melodías pegadizas con alaridos (entonados, claro) al tono: en un par de temas, la banda arriesga a bajar un cambio en cuanto al poder del sonido y logra cosas, sino novedosas, al menos distintas para su propia carrera. Ejemplos: “Get Our Alive”, “Over and Over” y el mismo “Pain”, como decíamos antes. Sin ninguna duda, el álbum deja conformes tanto a los fans ocasionales como a los seguidores de siempre, al tiempo que introduce ciertas alternativas bienvenidas en la música de la banda. Los doce temas del disco (entre los que podemos rescatar, aparte de los nombrados, a “Riot”, “On My Own” y “Gone Forever”) son oscuros y dramáticos, pero no depresivos, sino en cierto modo trágicamente humanos.

VIDEOS: ANIMAL I HAVE BECOME – THREE DAYS GRACE

VIDEO: PAIN – THREE DAYS GRACE

PUNTUACION: 8.0 / 10

TIMBALAND – PRESENTS SHOCK VALUE

Timbaland es similar a productores como Phil Spector, Brian Eno o Norman Whitfield en que han ayudado a redefinir el sonido de un género musical entero con un estilo de producción inmediatamente reconocible. Las canciones que produce se caracterizan por su sonido e instrumentación, vinculados por una marca registrada de espacio y ritmo. Como ocurre con Spector y Whitfield, las producciones de Timbaland a veces eclipsan al cantante y convierten al productor en la “estrella” real de la canción. Con los cantautores Steve “Static” Garrett y su amiga de la infancia Missy Elliott, Timbaland ha ayudado a crear algunas de las canciones más exitosas de la música R&B y Hip Hop moderna y urbana, incluyendo singles para Aaliyah, Ginuwine, Jay-Z, Justin Timberlake, Ludacris y Nelly Furtado, y recientemente ha colaborado con Bjork, entre otros.

El súper-productor Timbaland ha dejado su imborrable huella en la escena musical desde mediados de los 90s. Su trabajo como productor ha ayudado a crear éxitos que han definido las carreras de artistas como Jodeci, Aaliyah, Ginuwine, Missy Elliott, Destiny’s Child, Ludacris, Snoop Dogg y Jay-Z, entre otros. Respetado más allá de los géneros de la música urban y hip hop, Timbaland, cuyas influencias musicales cruzan las líneas culturales, también ha sido buscado por artistas cuyo parecido musical no conoce fronteras, desde la estrella pop Justin Timberlake a la innovadora cantante Björk.

El exitoso sencillo de Ginuwine, Pony, asi como su álbum debut Ginuwine… the Bachelor, producidos por Timbaland, introdujeron un estilo rítmico único que definió la nueva ola de música de los 90s: R&B y hip hop mezclados con una amplia variedad de efectos sostenidos por complejos ritmos sincopados de batería. Al mismo tiempo, su sociedad con Missy Elliot, su amiga desde la secundaria, rindió frutos con un doble platino para One in a million de Aaliyah y se convirtieron en uno de los equipos de composición/producción más exitosos. Naturalmente Elliot se fijó en Timbaland para definirla a ella como artista, pistas como The Rain, impulsaron a Elliot al estrellato y el reconocimiento de la crítica. El singular sonido de Timbaland ha generado numerosos imitadores, aunque siempre ha mantenido el reconocimiento como iniciador. Dado su talento, no es de sorprender que iniciara un nuevo sello en sociedad con Interscope incluso mientras preparaba otros tres álbumes para Elliot, incluyendo The cookbook, de 2005. También lanzó a Tweet, quien debutó con Southern Hummingbird y produjo The jump off de Lil’ Kim. The Game confió en Tim para Steer y Put on the game. La ruptura de géneros de Timbaland ha cambiado la música popular de la actualidad.

Él asume orgullosamente este éxito, manteniéndose a la cabeza con experimentación y originalidad. Carismático y seguro de sí mismo, su meta sigue siendo hacer explotar la mente del escucha y moverlo al ritmo de la música. En el plano personal este artista/productor es un ávido físico-culturista comprometido con una rigurosa dieta y un régimen de entrenamiento, y es tan serio para el ejercicio como con su tiempo en el estudio. “Puedes alcanzar cualquier objetivo que tengas en mente si te mantienes persistente y disciplinado”, explica el determinado y dedicado Timbaland, un innovador del sonido que continúa fijando el gusto popular mientras aventuradamente expande su paleta musical.

El 4 de Abril fue lanzado Timbaland Presents Shock Value (Blackground/Interscope/Mosley Music Group), su segundo álbum solista, el cual sigue a su producción de la mayoría de las pistas del disco Future Sex/Love Sounds de Justin Timberlake, que alcanzó la posición #1 y que incluía el sencillo SexyBack, que se colocó en el mismo lugar de las listas. Con Timberlake también había colaborado en su éxito previo, Justified. Nacido el 10 de marzo de 1972 en Norfolk, Virginia, bajo el nombre de Timothy Z. Mosley, fue apodado por Devante Swing, miembro de Jodeci por el “boot” Timberland; ha tenido varias “reencarnaciones”, desde DJ Tiny Tim o como la mitad del grupo de hip hop Timbaland & Magoo; desde su participación en el crew Swing Mob de Devante Swing, donde era conocido como Da Bassment, a S.B.I. (Surrounded By Idiots), un ensamble de producción que incluye a Pharrel Williams, o como CEO de su propio sello, Mosley Music Group.

Track Listing

#	Title	Feature guest(s)	Producer(s)	Songwriter(s)	Length
1	“Oh Timbaland”	-	Timbaland	Timothy Clayton/Timothy Mosley/Nina Simone	3:32
2	“Give It to Me”	Nelly Furtado and Justin Timberlake	Timbaland, co-produced by Danja	Timothy Clayton/Nelly Furtado/Nate Hills/Timothy Mosley/Justin Timberlake	3:54
3	“Release”	Justin Timberlake	Timbaland	Longmile/Timothy Mosley/Justin Timberlake	3:25
4	“The Way I Are”	Keri Hilson and D.O.E.	Timbaland, co-produced by Danja	Nate Hills/Keri Hilson/Maultsby/Timothy Mosley/Balewa Muhammad/Candice Nelson	2:59
5	“Bounce”	Dr. Dre, Missy Elliott and Justin Timberlake	Timbaland	Missy Elliott/Timothy Mosley/Justin Timberlake/Andre Young	4:04
6	“Come And Get Me”	50 Cent and Tony Yayo	Timbaland, co-produced by Danja	Marvin Bernard/Timothy Clayton/Curtis Jackson/Timothy Mosley	3:30
7	“Kill Yourself”	Sebastian and Attitude	Timbaland	Timothy Clayton/Garland Mosley/Timothy Mosley	4:06
8	“Boardmeeting”	Magoo	Timbaland, co-produced by Danja	Melvin Barclif/Robert Bell/Ronald Bell/George Brown/Timothy Clayton/Eumir Deodato/Nate Hills/Robert Mickens/Timothy Mosley/Charles Smith/James Taylor	2:29
9	“Fantasy”	Money	Walter (Lil Walt) Millsap III, co-produced by Boss Beats	Greenfield/Walter Millsap III/Candice Nelson/VanSciver/Watson/Watson	4:11
10	“Scream”	Keri Hilson and Nicole Scherzinger	Timbaland, co-produced by Danja	Nate Hills/Keri Hilson/Timothy Mosley	5:41
11	“Miscommunication”	Keri Hilson and Sebastian	Danja	Nate Hills/Keri Hilson/Garland Mosley	3:19
12	“Bombay”	Amar and Jim Beanz	Timbaland	Dhanjan/Timothy Mosley/James Washington	2:55
13	“Throw It On Me”	The Hives	Timbaland	Timothy Clayton/Randy Fitzsimmons/Timothy Mosley	2:11
14	“Time”	She Wants Revenge	Timbaland	Adam Bravin/Timothy Clayton/Timothy Mosley/Justin Warfield	3:57
15	“One And Only“	Fall Out Boy	Timbaland, co-produced by Hannon Lane	Hannon Lane/Timothy Mosley/Patrick Stump/Pete Wentz	4:16
16	“Apologize”	OneRepublic	Greg Wells, co-produced by Timbaland and Ryan Tedder	Timothy Mosley/Ryan Tedder	3:04
17	“2 Man Show”	Elton John	Timbaland and Elton John	Nate Hills/Elton John/Walter Millsap III/Timothy Mosley	4:25
18	“Hello” (International Bonus Track)	Keri Hilson and Attitude	Timbaland	Timothy Mosley/Timothy Clayton/Keri Hilson	4:35
19	“Come Around” (UK & Japan Bonus Track)	M.I.A.	Timbaland	Timothy Mosley/Timothy Clayton/Mathangi Arulpragasam	3:52

El 1er sencillo del álbum es “Give It To Me”, y cuenta con las colaboraciones ni más ni menos que de los 2 cantantes POP del momento… Nelly Furtado y Justin Timberlake. Por que además cuenta con grandes colaboraciones, como lo son… Nicole (Cantante principal de Pussycat Dolls), She Wants Revenge, Fall Out Boy, The Hives, Elton John entre otros. Bjork y Kanye West eran dos de los invitados de lujo para Presents, pero sus canciones no llegaron al corte final del disco. Lujos que se puede dar una estrella con el ego de Timbaland.

VIDEO: GIVE IT TO ME – TIMBALANDA FEAT Nelly Furtado and Justin Timberlake

PUNTUACION: 7.5 / 10

MIKA – LIFE IN CARTOON MOTION

Es probable que este sea uno de los artistas revelación de este 2007. Si por algo se caracteriza la sociedad actual es por la velocidad con la que ocurren las cosas, y en el mundo de la música somos testigos de esto cada día. Mika entrega su primer álbum, llamado Life in Cartoon Motion, una explosión de sonidos semejantes a aquellos pegajosos jingles de los programas que los niños añoraban ver los sábados en las mañanas.

Life in Cartoon Motion contiene una pequeña pizca del drama de todos los días, para ver que “no todo es color rosa”, pero si suena bien, qué importa. Mika fue nombrado como “El sonido del 2007” por una encuesta de la BBC, y su álbum debut llegó este año al #1 de los charts Ingleses. Nacido en Líbano, criado en París y actual londinense, Mika, era un nerd gordito y la burla de todos; tomaba clases de canto en las tardes con un estricto maestro ruso, que lo llevó hasta la Royal Opera House. Mika prefirió su libertad empírica para salir del Nunca Jamás académico hacia la “industria” (El Capitán Garfio), ahí encontró aliados: Greg Wells, (personaje clave en producciones como Duets de Elton John, y el álbum homónimo de The Deftones), Jodi Marr (quien escribió éxitos para Alejandro Sanz, Steven Tyler, Billie Myers, entre otros) y John Merchant (productor para Barbara Streisand). Mika puede ser talentoso pero es claro que el disco no sería tal sin los tres artífices que lo ayudan a cruzar el mar de cocodrilos.

El arte de Life in Cartoon Motion, es como una pequeña ventana a la mente de Mika, coloridos rayos que emanan de su nombre, tuercas que lo hacen funcionar, flores y una paloma blanca para recordarnos que hay paz dentro de todo este caos. En la portada, podemos ver a personajes que aparecen dentro de las canciones del álbum, al igual que una estilizada fotografía de Mika, ejemplo perfecto de estrella pop. El arte del álbum fue creado por la hermana de Mika, Yasmine (DaWack es su nom de plume), y por él mismo.

Track listing (U.S./Canada)

(All song written by Mika unless otherwise stated.)

1. “Grace Kelly” (Mika, Jodi Marr, John Merchant, Dan Warner) – 3:09
2. “Lollipop (Mika song) 3:05
3. “My Interpretation” (Mika, Jodi Marr, Richie Supa) – 3:37
4. “Love Today” – 3:57
5. “Relax, Take It Easy” – 4:32
6. “Ring Ring” (Mika, Jodi Marr)
7. “Any Other World” – 4:21
8. “Billy Brown” – 3:16
9. “Big Girl (You Are Beautiful)” – 4:10
10. “Stuck in the Middle” – 4:11
11. “Erase” (Mika, Jodi Marr, Desmond Child) – 3:38
12. “Happy Ending” – 4:30
13. “Over My Shoulder” – 4:42

Best Buy exculsives

1. “Love Today” (Acoustic) (Best Buy Bonus Track)
2. “Satellite” (Acoustic) (Dave Matthews) (Best Buy Bonus Track)

Digital download

1. “Grace Kelly (Acoustic)” (Mika, Jodi Marr, John Merchant, Dan Warner) (iTunes Canada Bonus Track) – 3:54
2. “Stuck in the Middle” (Acoustic) (iTunes Canada Bonus Track) – 3:54
3. “Relax, Take It Easy” (Acoustic) (iTunes Canada Bonus Track) – 3:02

Track listing (UK)

(All song written by Mika unless otherwise stated.)

1. “Grace Kelly” (Mika, Jodi Marr, John Merchant, Dan Warner) – 3:09
2. “Lollipop” – 3:05
3. “My Interpretation” (Mika, Jodi Marr, Richie Supa) – 3:37
4. “Love Today” – 3:57
5. “Relax, Take It Easy” – 3:43
6. “Any Other World” – 4:21
7. “Billy Brown” – 3:16
8. “Big Girl (You Are Beautiful)” – 4:10
9. “Stuck in the Middle” – 4:11
10. “Happy Ending” – 4:30 (10:21 including Hidden Track)
    • “Over My Shoulder” – 4:42
11. “Ring Ring” (Mika, Jodi Marr) (Bonus Track)

Digital download

12. “Grace Kelly” [Acoustic]
13. “Stuck in the Middle” [Kukustik]
14. “Relax, Take It Easy” [Acoustic]

Al momento de apretar “play”, espirales rosas y azules salen de las bocinas al ritmo de un bajo coqueto; ya en las primeras notas Mika evoca aquella distintiva voz que daba escalofríos cuando cantaba “she’s a killer queen gunpowder gelatine…”, pues el fantasma de Freddie Mercury se adentra en las venas de Mika desde la primera canción (y primer sencillo) de Life In Cartoon Motion, que es “Grace Kelly”, tema con un simple mensaje, “I could be anything you like”. Como crítica a la industria musical, Mika canta “Should I bend over?/ Should I look older just to be put on your shelf?”, dejando entre ver que para tener un disco de alta prioridad para una disquera, ¡hay que apostar el trasero!, satirizando la idea de que los artistas, también tienen botones en el trasero como en aquellos mamelucos usados por los niños perdidos, amigos de Peter Pan. El coro remata esta crítica: “I could be brown/ I could be blue/ I could be violet sky/ I could be hurtful/ I could be purple/ I could be anything you like”, para recalcar que la identidad de un artista es moldeada por la disquera, (caso que le sucedió al comenzar su búsqueda por una carrera musical). “

Lollipop” es un alegre himno donde se dice que las paletas son mejores que el amor “Sucking too hard on your lollipop/ Or love’s gonna get you down”; la canción está animada por voces de niños que parecen estar en el recreo de las 11:00 de la mañana, juegan manitas calientes y brincan la cuerda.

Si Life in Cartoon Motion es un viaje a Nunca Jamás, entonces nuestro niño perdido soñaba todas las noches con poder besar a Peter Pan. Mika evita a diestra y siniestra hablar de su sexualidad, pero como argumento expone a su álbum, “Todo está ahí”, por lo que causa sospechas una pequeña canción llamada “Billy Brown”, que es el viaje emocional de un hombre que ha vivido como heterosexual, con su esposa, hijos y perro, pero se ve confundido al darse cuenta que su amante (otro hombre) le causaba mucho estrés emocional, y al no poder soportar la presión busca resguardo en una isla por las playas de México, donde encuentra una señorita con la que comparte una pasional noche. Sin embargo, su verdadero self sale del clóset, “Billy Brown fell in love with another man”, canción perfecta para soundtrack de Feelgood Movies, cuando al fin el personaje gay sale del clóset.

Cuando entra el track 8 “Big Girl (You are beautiful)”, es evidente la influencia de las “Fat Bottomed Girls” de Queen, pero en toda esta travesía, Mika ‘Mercury’ Pan no vuela solo. También lo acompaña la lucesita de un trend que se inició hace 3 años, una Campanita conocida como Jake Shears de Scissor Sisters, pues guía a este niño perdido por un camino rosa que le es común, el éxito internacional que se puede obtener al seguir un simple hechizo de composición y estilo musical atractivo a las masas.

La muy alocada “Love today” y “Relax, take it easy” siguen; la primera destaca la habilidad de las cuerdas vocales de Mika (cuyo alcance es de cinco octavas), al igual que su delirio de grandeza cuando dicta “Anyway you’ve got to love, love me…” y transformarla en un placer pecaminoso; la segunda utiliza la melodía de “I just died in your arms tonight” de Cutting Crew, para recrear una high energy power ballad reminiscente de los medianos ochentas.

Hacia el final del disco “Stuck in the middle” y “Happy ending” nos indican que Mika sabe usar la capa de terciopelo rojo, y porta con orgullo la corona de heredero, pues su voz y sus letras se perfeccionan para llegar a un clímax emocional y melancólico en el hidden track “Over my shoulder”. Este último corte difiere completamente del resto del contenido del álbum, regresando sanos y salvos a la vida real, a aquellos niños perdidos, después de su inolvidable viaje de regreso a sus aburridas rutinas y cielos grises, donde los días como niños son limitados, y Campanita no nos cobija por las noches, aunque muchos van a querer regresar, y lo único que tienen que hacer es apretar “repeat”.

“Con su fulgurante salida a escena, Mika tiene todas las papeletas para convertirse en el próximo fantoche que distraiga con sus estribillos y su cara bonita a los millones de seguidores de un programa televisivo de música ligera y máxima audiencia, o, cuando menos, en el icono gay de la temporada. Sin embargo, además de histrionismo cabaretero, se aprecian en Life In Cartoon Motion, el impecable álbum de debut del artista británico, unos ejercicios miméticos que rivalizan con la caligráfica escritura de sus canciones, obra de un compositor que –en su propio lenguaje, difícil de pronunciar– sabe comunicar: se maneja con la orquesta y los coros, domina la narrativa de Broadway, conoce la música negra de grano gordo y juega solitarios con su garganta, bien dotada para hiperpersonalizar sus canciones con falsetes falleros. Verguüenza, ninguna. Que Mika utilice su inmenso fondo de armario cultural para divertirse representa una rareza que no merece la pena rechazar por complejos estéticos. Sería agotador que siguiese así hasta hacerse mayor, pero de momento su altivez resulta tolerable y, por extraordinaria, incluso recomendable.”

Es cuando Peter Pan se enfrenta al final del camino amarillo para encontrarse con el Mago de Oz, y darse cuenta de que sólo es un muñequito dentro de una pesada máquina prefabricada, él no es tan fuerte como se veía: un producto con poderes extraños.

Mika se despega de esa imagen característica de un homosexual, es muy delgado personaje con una cabellera alborotada, y su manera de vestir consta de suéteres de tweed, sudaderas y Vans, concepto muy diferente a aquel Tom of Finland que alguna vez fue la cúspide de la imagen gay, un hombre con pantalones de cuero y chamarras muy pegadas a un torso musculoso, imitado por George Michael y por el mismo Freddie. Es evidente la autonomía artística que busca Mika, aunque es difícil separarlo de un concepto prefabricado para ser convertido en bocadillo de tastemakers. Si anteriormente Elton John, Freddie Mercury, George Michael y Prince fueron íconos de la música gay en épocas pasadas, nada detiene a Mika para ser aquél que redefina la música gay de nuestra época y de paso convertirse en uno de los nuevos pilares del glam rock.

VIDEO: GRACE KELLY – MIKA

PUNTUACION: 7.5 / 10

JOSS STONE – INTRODUCING JOSS STONE

Joss Stone ha vendido más de 7,5 millones de álbumes en todo el mundo; forma parte de la invasión inglesa de artistas femeninas dentro de la que se encuentran también KT Tunstall, Corinne Bailey Rae, Lily Allen, y Amy Winehouse. Ha estado nominada a cuatro premios Grammy incluyendo Mejor Artista Revelación, e interpretó un memorable tributo a Janis Joplin con Melissa Etheridge en la ceremonia de los premios. Su versión de “Cry Baby”/”Piece of My Heart” se editó como single, y se convirtió en el primer éxito Top 40 de Stone en los EEUU y también ha participado en la gala de los Grammy de 2006 en el tributo a Sly & the Family Stone, su versión de “Family Affair”, que aparece en el álbum de tributo a Sly Stone, Different Strokes By Different Folks, ha sido nominada para un premio Grammy por “Mejor Interpretación R&B por un dúo o grupo”. Dispuesta siempre a honrar a las leyendas que llegaron antes que ella, Stone provocó un gran aplauso con su versión del “Son of a Preacher Man” de Dusty Springfield en la ceremonia de los UK Music Hall of Fame Awards en noviembre; ha aparecido en el escenario con James Brown, The Rolling Stones, Stevie Wonder, Elton John, Patti Labelle, Mavis Staples, Donna Summer, y Smokey Robinson; se sentó para una entrevista con Oprah Winfrey; protagonizó dos grandes campañas publicitarias para la marca Gap; y actuó para más de 200.000 personas en el concierto 2005 Live 8 Concert en Londres, todo esto sin haber cumplido la mayoria de edad.

Se dio a conocer al concursar en el programa Star for a Night (estrella por una noche) en el año 2002. Más tarde, en 2003, Betty Wright ayudó a Joss a crear un disco que fue todo un éxito mundialmente, titulado “The Soul Sessions”. En el disco también colaboraron en la parte de la producción Angie Stone y el grupo The Roots. Joss Stone a pesar de su juventud decidió dar un estilo muy adulto que se puede situar en la línea del neo soul de otros artistas como Jill Scott o Nikka Costa. El álbum tiene un cierto sonido rememorante de los años ‘70 con versiones de temas de Laura Lee, Bettye Swann, Aretha Franklin o Betty Wright. Al álbum se le añadió en cierta forma algo del sonido de Miami por la participación de músicos de soul como Benny Latimore, Timmy Thomas y Little Beaver. Comenzó a irrumpir en el panorama musical con la versión del tema de The White Stipes “Fell in Love with a Boy”.

En 2004, también bajo el sello S-Curve Records editó “Mind, Body & Soul”. En este nuevo disco todas las canciones están escritas o co-escritas por ella y también comienza a participar de forma activa en la producción. El álbum continua con el sonido neo-soul pero ahora mucho más maduro. En este mismo año editó un DVD, “Mind, Body & Soul Sessions: In Concert”.

Ha colaborado en los álbumes de Elton John, Carlos Santana y Herbie Hancock, entre otros. Al igual que en bandas sonoras como las de “Alfie” o “Chicken little” donde canta junto a Patti Labelle el éxito “Stir it up”. En 2005 aparece en el álbum tributo a Queen “Killer Queen: A Tribute to Queen” cantando el tema “Under Pressure”. En 2006 participa junto a Dead Celebrity Status en la canción “Erica”.

Introducing Joss Stone

Desde su debut con “The Soul Sessions” (2003), álbum de versiones magistralmente interpretadas por una voz potente y a la vez sedosa, el cual le otorgó un reconocimiento extremo para su corta edad. Hoy podemos decir que Joss ha logrando desarrollar un estilo maduro con suficiente apoyo mediático como para convertirse en superventas. Tres años han pasado desde su última incursión discográfica, “Mind, Body & Soul” (2004), tiempo suficiente para focalizar sus ideas y componer su mejor disco hasta la fecha “Introducing… Joss Stone”.

“Introducing Joss Stone” es el tercer álbum de estudio de la cantante soul blanca más respetada del momento. Con una voz que recuerda las etapas más grandiosas de Aretha Franklin, Etta James o Gladys Knight, Joss Stone interpreta lo que será una de las mejores piezas de soul de la historia. Posee además un toque pop – en menor medida que los anteriores – que, sin duda, ayudará a acercar el estilo y la música de Joss a un público mucho más abierto y mayoritario que en sus anteriores discos “Mind, Body & Soul” y “The Soul Sessions”.

En su tercer álbum, Introducing Joss Stone, siente esta cantante y compositora soul británica que está expresando su verdadera visión musical. “Este es el primer disco que he hecho que es verdaderamente yo” declara. “Esa es la razón por la que lo llamo Introducing Joss Stone (Presentando a Joss Stone). Estas son mis palabras, y esto es quien soy como artista”.

Sabiendo que necesitaba escribir el álbum sola, Stone se escapó a la isla caribeña de Barbados para componer. Allí, entre las playas arenosas y las cálidas brisas tropicales, tuvo una epifanía. “Voy conduciendo en mi coche y pienso, ‘¿Por qué voy por la vida buscando el amor incondicional de un ser humano, cuando es la música lo que es incondicional?” expone. “Siempre está ahí para mi. Es el amor de mi vida. Lo he encontrado”.

Esa sencilla comprensión se convirtió en un temática importante, tanto en las letras como musical, en Introducing Joss Stone, y explica la electrizante mezcla en el álbum de cálido soul antiguo, R&B estilo años ‘70, armonías de grupos de chicas de la Motown, y ritmos jazzy interpretados por una banda en directo dirigida por el principal colaborador musical de Stone y productor Raphael Saadiq (conocido por su trabajo con D’Angelo, The Roots, y Macy Gray). “Raphael [que toca el bajo en el álbum] es el músico más alucinante que he conocido en toda mi vida”, declara Stone. “Musicalmente, siento que lee mi mente. Con sólo una mirada sabe exactamente lo que quiero”. Stone y Saadiq pasaron dos meses grabando en las Bahamas, y luego mezclaron el álbum en los legendarios estudios Electric Lady Studios en Nueva York.

Track listing

1. “Change (Vinnie Jones Intro)” – 0:35
2. “Girl They Won’t Believe It” – 3:15
3. “Headturner” – 3:16
4. “Tell Me ‘Bout It” – 2:48
5. “Tell Me What We’re Gonna Do Now” (featuring Common) – 4:22
6. “Put Your Hands on Me” (featuring Mix Master Mike) – 2:58
7. “Music” (featuring Lauryn Hill) – 3:41
8. “Arms of My Baby” – 2:52
9. “Bad Habit” – 3:48
10. “Proper Nice” – 3:24
11. “Bruised But Not Broken” – 4:15
12. “Baby Baby Baby” – 4:34
13. “What Were We Thinking” – 4:24
14. “Music Outro” – 3:48

Deluxe edition

1. In the Studio
2. Common
3. String
4. Choosing Songs
5. On the Set – “Tell Me ‘Bout It”
6. Tour Rehearsal
7. “Tell Me ‘Bout It” (Music Video)

European iTunes edition

15. “There’s Nothing Better Than” – 3:52

Japanese edition

15. “Big Ol’ Game”
16. “My God”
17. “Untitled Additional Bonus Track”

Tras un inquietante comienzo con “Change” (Vinnie Jones Intro). Abre el disco la canción “Girl, they wont believe it”, tema con referencias Motown y sus principales exponentes, The Supremes; un corte soul que se adentra en una más que digna instrumentación y orquestación clásica propia de la nueva vertiente neosoul. El tema trata sobre encontrar la felicidad a través de la música. “Cuando estaba en el colegio, quería ser cantante y todo el mundo decía que estaba loca”, cuenta Stone. “Me decían, ‘Quítate esos pájaros de la cabeza y ven a hacer tu trabajo de matemáticas’. Así que ahora yo les digo, ‘Chica, no me creían, finalmente encontré algo dulce entre las amarguras de la vida. Todo lo que necesito es un beso de una melodía”.

Como cualquier álbum de soul que se precie, Introducing Joss Stone incluye su ración de canciones sobre relaciones, desde la extasiada “Catch Me I’m Falling”, con un groove aleatorio y unos arreglos de cuerda de los que estaría orgulloso Marvin Gaye, hasta la dulce y ensoñadora “Tell Me What We’re Going To Do Now” (con el rapero Common), hasta el clásico toque de la Motown de “In the Arms of My Baby”, que Stone compuso sobre sentirse sola en las giras. “Esa canción trata sobre necesitar apoyarse en alguien con el que me sienta como en casa”, explica. “A veces se necesita el abrazo o el afecto de alguien. Eso no se puede tener a través del teléfono”.

Por supuesto el amor no es siempre de color de rosa. En la amarga, canción de ruptura y arrepentimiento “I Wish” Stone canta: “Ojalá nunca te hubiera conocido / Por fin tuve ya bastante de tu mierda / Te debería haber dejado hace mucho tiempo”. “Ahora ya está todo bien”, explica con una sonrisa. “Somos amigos, pero cuando algo acaba, todo lo que te queda es esa herida profunda. But I had to go through that hurt in order to write these songs”.

En “Head turner”, tercer corte del disco, los acompañamientos hip hop son más presentes. Incluso, de manera muy sutil, ella se atreve hacer lo mismo en pasajes de la canción, aunque rápidamente retoma su forma de cantar.

En “Tell me bout it” single de presentación del álbum, nos adentramos en una vibrante colección de canciones, que brotan de las raices del soul clásico en correcta fusión con elementos del rythm & blues de los setenta y tendencias claramente influenciadas por el funk. Descubrimos a Stone avanzando, buscando un nuevo amor, pero preguntándose porqué él no puede tomar la iniciativa. “Es la historia de mi vida”, cuenta, suspirando. “Es como, vamos, dime cómo te sientes. No seas tan gallina. Está claro que te gusto y me gustas, así que ¡hagamos algo al respecto!”

En “Music”, canta: “Estoy tan enamorada de mi música / La forma en la que me mantienes en marcha / Nadie va a hacer lo que haces”. El tema, inspirado originalmente por “The Mask” de The Fugees, incluye un rap de la cantante de los Fugees, Lauryn Hill. El colaborador de Stone en la canción, Novel, un compositor y productor que es el nieto de la leyenda del soul Solomon Burke, sugirió bromeando que le pidieran a la estrella famosa por ser recluirse que participase como invitada. “Y por supuesto, siendo como soy, pensaba, ‘voy a conseguirla’”. Stone llamó a la madre de Hill todos los días durante un mes y medio, preguntando si su hija había escuchado la canción. “Cada día preguntaba, ‘¿Has sabido algo de Lauryn?’ y ella me decía simplemente, ‘No’. Clic. Pero yo no podía dejarla escapar hasta que lo consiguiera”.

“Bad habit” y “Proper nice” son canciones que, aunque resultan agradables al oído, seguramente no se convertirán en singles, por lo convencionales de su sonoridad. No ocurre lo mismo con “Bruised but not broken”, una interesante balada, una de las pocas en el disco, donde Stone, entrega una interesante estructura musical.

De ahí siguen “Baby, baby, baby”, un tema que recuerda los mejores años de “Jackson Five”, para continuar con “What were we thinking”, otra balada que explícitamente recuerda temas como “(You make me fell like) A Natural Woman”, un verdadero clásico del soul que seguramente inspiró a Stone. La placa concluye con “Musc outro”, tema que continúa en la línea de la balada y que también recuerda a la gloriosa Aretha, pero que a estas alturas del disco parece demasiado.

Desde el momento en que la Stone de Devon, criada en Inglaterra emergió en la escena musical a la edad de 16 años, siempre ha demostrado fuerza e intensidad, a pesar de insistir que por entonces, siendo tan joven, no sabía lo que hacía. La crítica disentía, calificándola como una cantante que posee un “cinturón rico y profundo, lleno de soul”, como la describía el New York Post, y “distinta de cualquier cantante de su generación”. En el 2003, Stone publicó The Soul Sessions, un álbum de versiones de oscuros temas de soul, se lanzó a la carretera durante un año, luego grabó el Mind, Body & Soul de 2004, su primer álbum de material original. De ese disco, la revista Newsweek apuntaba: “Stone puede cantar dulcemente con voz triste, profunda y gutural, berrearlo estilo garito con rocola, o ponerse marchosa y funky para el público marchoso”, mientras que Interview la elogiaba “voz audaz, que puede picar como un bourbon añejo, o fundirse como cinta de melaza”.

“Introducing… Joss Stone”, es un disco que plantea un reencuentro con lo artístico y la completa devoción por la música que la joven artista ha manifestado. Ha llegado el momento que conozcamos quien es realmente Joss Stone y cuáles son sus reflexiones más intimas; algo totalmente acertado por su parte, ya que, desgraciadamente, el mundo de la música está muy carente de la naturalidad y talento innato.

VIDEO: JOSS STONE – TELL ME BOUT IT

PUNTUACION: 8.5 / 10

FALL OUT BOY – INFINITY ON HIGH

Estamos viviendo la época de Oro de los largos títulos en las canciones, y Fall Out Boy lidera la fila. En los viejos tiempos, las estrellas de rock usaban paréntesis y barras para demostrar que eran artistas serios, negándose a reducir su verborragia para los djs radiales o las jukeboxes. Pero en la era MySpace, las bandas han descubierto las comas y, como resultado, los títulos de las canciones se volvieron cada vez más extensos.”This Ain’t a Scene, It’s an Arms Race” [Esto no es una escena,es una lucha armada] tal vez sea la declaración definitiva de FOB. En un mundo del rock cada vez más dividido por los nichos de lealtades, FOB usa la coma como palanca para romper las fronteras.

Fall Out Boy es una banda de música pop punk, de los suburbios de Chicago, Illinois (Estados Unidos) que se formó en el 2001. El nombre de la banda se debe al acompañante del Hombre Radioactivo en la serie de TV, Los Simpsons.

La banda se conoció en el 2001 y se han consolidado como una de las mejores en el género con sencillos como Grand Theft Autumn , Where Is Your Boy? y Saturday, registrándose en Island records en el 2003. La banda está integrada por Patrick Stump, Pete Wentz, Andrew Hurley y Joseph Trohman, amigos de infancia que compartían el mismo gusto y afinidad por la música, especialmente por el rock y el Neopunk emergente.

Fall Out Boy se caracteriza por ser una banda muy original por eso se reinventa y explora nuevos sonidos constantemente.

Su primer disco es Take this to your grave, aunque previamente la agrupación lanzó dos mini álbumes o EP’s: Fall Out Boy´s Evening Out With Your Girlfriend y My heart will always be the B-side of my tongue.

El 3 de mayo del 2005 sacaron su mejor debut, From Under The Cork Tree (Island), del que vendieron más de 70.000 copias en la primera semana. Su sencillo Sugar, We’re Going Down alcanzó el número 1 en MTV TRL. El video también gano el premio MTV2 en los MTV Video Music Awards. La banda fue nominada por Mejor Artista Nuevo en los Grammy Awards, pero después perdió contra John Legend. Actualmente, aumentó su fama con la canción titulada Dance, Dance y el sencillo A Little Less Sixteen Candles, a Little More Touch Me.

Ese mismo año, la estabilidad de la banda se vio amenazada por el discutido intento de suicidio de Wentz al ingerir una sobredosis del sedante Ativan. El cantante dijo en una entrevista para la revista Rolling Stone que tiene una fascinación con los suicidios de Elliot Smith e Ian Curtis. El título de la canción “I’ve Got a Dark Alley and a Bad Idea That Says You Should Shut Your Mouth (Summer Song)” está basada en su intento de suicidio.

El 6 de Febrero del 2007 lanzaron su nuevo álbum, Infinity on High, con This Ain’t a Scene, It’s an Arms Race como single de presentación y posteriormente editaron Thnks Fr Th Mmrs como segundo sencillo y The Take Over, The Break’s Over como el tercero.

Hace un año, Fall Out Boy puso a bailar al público mundial y a escuchar atento su álbum “From Under The Cork Tree”. Para este año, han regresado con una placa firme y pegajosa.

Un primer sencillo se desprende bajo el nombre de This Ain’t A Scene, It’s An Arms Race y ya ha alcanzado excelentes críticas.

Según la propia banda, éste es un trabajo más tranquilo, más familiar. No andan muy preocupados por hacerse a un nombre ni por buscar cómo promocionarse de inusulaes maneras.

En el anterior trabajo, la banda dejó ver un poco de rabia y nostalgia en sus letras. Con este nuevo sorprende por sus invitados, en este caso Jay Z que da la bienvenida a la placa. El discurso es tan sencillo pero tan directo que convence: este disco está dedicado a las personas que no quieren al grupo y a todas aquellas que lo han apoyado hasta estos días.

Track listing

1. “Thriller” – 3:29
2. “”The Take Over, The Breaks Over”" – 3:33
3. “This Ain’t a Scene, It’s an Arms Race” – 3:32
4. “I’m Like a Lawyer with the Way I’m Always Trying to Get You Off (Me + You)” – 3:31
5. “Hum Hallelujah” – 3:50
6. “Golden” – 2:32
7. “Thnks fr th Mmrs” – 3:23
8. “Don’t You Know Who I Think I Am?” – 2:51
9. “The (After) Life of the Party” – 3:21
10. “The Carpal Tunnel of Love” – 3:23
11. “Bang the Doldrums” – 3:31
12. “Fame
13. “You’re Crashing, But You’re No Wave” – 3:42
14. “I’ve Got All This Ringing in my Ears and None on my Fingers” – 4:06

Bonus tracks:

15. “G.I.N.A.S.F.S.” – 3:17
16. “It’s Hard To Say ‘I Do’, When I Don’t” [Exclusive Wal-Mart bonus track] – 3:23

Original track listing

1. “Car Crash Hearts” (now “Thriller”)
2. “Satisfaction” (now “”The Take Over, The Breaks Over”")
3. “You Can’t Spell Star Without A&R” (now “This Ain’t a Scene, It’s an Arms Race”)
4. “Me and You” (now “I’m Like A Lawyer with the Way I’m Always Trying to Get You Off (Me + You)”)
5. “Hum Hallelujah”
6. “How Cruel” (now “Golden”)
7. “Thanks for the Memories” (now “Thnks fr th Mmrs”)
8. “Stitch Away” (now “The (After) Life of the Party”)
9. “Carpal Tunnel of Love” (now “The Carpal Tunnel of Love”)
10. “Yellow Checkered Cars” (now “Bang the Doldrums”)
11. “Better with a Pen” (now “Fame
12. “Law and Order” (now “You’re Crashing, But You’re No Wave”)
13. “Truth Hurts Worse” (now “I’ve Got All This Ringing in my Ears and None on my Fingers”)

Tracks 8-13 on the original track listing became tracks 9-14 on the final track listing, because “Don’t You Know Who I Think I Am?” did not originally make the cut for Infinity on High. Many of the original titles were lines from the lyrics of the song.

Al comienzo, Infinity on High puede sonar repetitivo, como continuación del anterior. Sin embargo, la base de Wentz se torna más fuerte.

Fall Out Boy se arriesgó a hacer más mezclas y fusiones de ritmos y tendencias provenientes del funk británico y a trabajar de la mano de Babyface en cortes como “I’m Like a Lawyer the Way I Keep Trying to Get You Off (Me and You)”, ofreciendo un material más abierto para mayor cantidad de públicos. Pero por otro lado, el contenido del disco sugiere que no quieren dejar atrás el truco que les funcionó, la fórmula que los mantuvo en el ojo de los fanáticos durantes estos dos años.

Todos adjetivos positivos son los que nos vienen a la cabeza después de escuchar varias veces el nuevo trabajo de Fall Out Boy. El cuarteto de Chicago sigue demostrando con su Infinity On High (editado por Island Records) que son una de las bandas de punk más completas del panorama musical.

Patrick Stump, Pete Wentz, Andrew Hurley, y Joe Trohman presentan catorce temas con una producción muy buena tanto a nivel de presentación como de sonido. Catorce temas muy pegadizos, con melodías fáciles de memorizar y coros instantáneos que los convierten en una banda apta para todos los públicos a nivel musical. Otra cosa son las letras. Ahí, Fall Out Boy continua la temática juvenil de rebeldía ante el sistema político, con críticas que van desde la industria discográfica a la armamentística. Por supuesto, el amor y el desamor, trabajos mal pagados, y exámenes suspendidos también tienen un hueco.

A nivel de canciones, nos quedamos con Thriller, la que abre el disco, enérgica y potente como su mensaje contra todos aquellos agoreros que pronosticaron un final rápido al grupo.

Golden es otro tema que capta rápido la atención del oyente por el cambio de ritmo que supone dentro del disco; un cambio hacia tiempos más lentos que Fall Out Boy domina también.

Tnks Fr Th Mmrs, que en plan sms significa Thanks For The Memories, es un ejemplo perfecto de la facilidad de estos chicos para componer éxitos, para componer canciones que con una sola escucha te atrapan.

VIDEO: This Ain’t a Scene, It’s an Arms Race

Controversia

La banda recibio fuertes criticas por parte de los miembros de The Killers en una entrevista realizada por NME.COM:

El guitarrista de The Killers Dave Keuning opino sobre las bandas emo: “All those bands, Fall Out Boy, Panic! At The Disco, they only influenced by each other and Blink 182. How can that be a good thing?”, mientras que el cantante Brandon Flowers dijo: “Emo, whatever you want to call it, is dangerous.”

En otra entrevista con la misma revista Brandon Flowers siguio con sus criticas:

“You don’t realize what you could be getting yourselves into, with Fall Out Boy, and what kind of impact it could have in a way that you don’t really want.”

“Culturally, if it gets as big as it is in America, it could change an entire generation of people growing up here. Emo, pop-punk, whatever you want to call it, is dangerous. We don’t wanna dislike anyone, and we’ve still never met Fall Out Boy, but there’s a creature inside me that wants to beat all those bands to death. They just all go into the happy emo funnel and everyone loves ‘em without thinking. ‘Oh, Fall Out Boy likes you? Fuck! I’m gonna go buy your CD!’”

PUNTUACION: 7.5 / 10

BLOC PARTY – A WEEKEND IN THE CITY

La banda liderada por Kele Okelele regresa para sorprendernos con un segundo álbum Nada de continuaciones, adiós a la diversión y las baterías veloces que revelaban su pasión por el postpunk. Bloc Party ha marcado su terreno con esta placa, un compendio de canciones nada digeribles y que advierte la promesa de su vocalista en reformar la nueva oleada del british rock que nada tiene que ver con Oasis, Coldplay o Travis.

La superficialidad y el frenesí opresor de la vida en una gran ciudad del siglo XXI son ejes de ‘A weekend in the city’, el segundo álbum del conjunto de rock inglés Bloc Party, que quiso que el disco transmitiera “el ruido vivo de una metrópolis”. La carga política se incrementa conscientemente y ataca directamente a quienes tienen las riendas del mundo. Hay críticas directas contra el racismo y la xenofobia ya que Inglaterra luego del 7/7 se ha vuelto más cuidadosa, los inmigrantes han sentido el cambio y cómo no incluir a quienes descendien de Nigerianos (Kele Okelele).

“Cada ciudad tiene su propia energía: la gente que corre frenéticamente de un lado a otro, toma el metro, vuelve del trabajo. Este álbum trata de captar ese sonido, el sonido de la gente que vive hacinada”, explica a la AFP Kele Okereke, cantante de Bloc Party, cuyo disco se edita este lunes en el mundo entero (el martes en Estados Unidos).

“Quise hablar de las reacciones negativas de esa vida. Algunos tienen crisis de nervios, otros se refugian en la droga, el sexo o el acohol. La inspiración me viene al observar a algunos de mis amigos, de la tristeza que surge de la manera como viven”, agrega el líder del conjunto, que integran también Russell Lissack (guitarra), Matt Tong (batería) y Gordon Moakes (bajo).

Las letras de Okereke describen ‘East London’, el barrio a la moda de Londres, como un “vampiro”. Hablan de adolescentes para quienes la ropa a la moda es un uniforme y que se ocultan tras “una máscara de informalidad e indiferencia”. Otros tratan de no asfixiarse refugiándose en “los crucigramas o el sudoku”.

El músico de origen nigeriano hace casi una obra de sociología, evocando también la paranoia sobre la seguridad aparecida tras los atentados de Londres de julio de 2005, o las dificultades que afronta un negro en Inglaterra.

“El calificativo ‘concept album’ evoca demasiado a los grupos de rock de los años 70, pero seguramente puede ser utilizado en este caso, puesto que un solo tema atraviesa todo el disco”, dice sonriendo Okereke, de 25 años de edad.

‘A weekend in the city’ (Wichita/V2) es claramente diferente de ‘Silent alarm’, el primer álbum de Bloc Party, que recibió en 2005 los elogios de la crítica internacional y vendió más de un millón de ejemplares en el mundo.

En este caso no hay temas de eficacia inmediata que puedan compararse al célebre ‘Banquet’ del primer disco, pero la estructura de las composiciones es más densa, compleja y ambiciosa, y hace evocar por momentos al grupo neoyorquino TV on the Radio. A weekend in the City sin embargo tiene momentos oscuros, intensos, optimistas, refleja parajes de una ciudad intensa y emotiva. Quizás como dicen las primeras líneas que abren el disco “Estoy tratando de ser heróico en una era de modernidad” (I am trying to be heroic, in an age of modernity) – podría ser la misión de esta banda en tiempos inestables, tensos, donde Bloc Party parece buscar un nuevo comienzo musical.

El disco fue producido por Jacknife Lee (U2, Editors, Snow Patrol, Kasabian). Lleno de excelentes letras y beats asesinos, el primer tema llama la atención por su paralelo con el autor americano Brett Easton Ellis. El cambio osado en la dirección musical tiene su premio. Su intro “Song For Clay”, similar al muy bien logrado Origin of Simetry de Muse, marcan el camino de este álbum. “Song for Clay (dissapear here)”, rompe a la mitad de la pieza con un riff de guitarra asesino, uno de los mejores que Block Party haya producido en los dos discos que llevan. Pero lo más interesante son las referencias Eastonianias. Cualquiera que haya leído su primer libro, “Less than zero”, se acordará del personaje principal, Clay, mientras atraviesa fiestas branchés de Los Ángeles, consume drogas y se pierde en la alienación capitalista de los años ’80. El famoso “dissapear here” (desaparece aquí) se le atraviesa como una premonición en un baño de una discoteca y lo lleva a desear nunca haber existido.

Este trabajo es para sentarse a esbozar con placer, atendiendo la madurez de la banda. “Haunting Witches”, -dedicado a la paranoia existente luego de los atentados en Londres-, The Prayer – himno de estadio sobre una base dancefloor y palmas ochentonas de urgencia estimulante-, Uniform –introspectiva, reflexiva y con un arrebato discopunk con riffs sórdidos típicos de la banda-, aún mantienen esa carga musical energética, desfachatada y vertiginosa.

Matt Tong sigue demostrando su habilidad en la batería, aunque la velocidad haya sido sacrificada. Temas como “Sunday”, una de esas canciones para el “ratón” que, aún sumergido en los excesos del día anterior te parece celestial, con su coro: “Te amo en la mañana aunque aún tengas resaca”, se aprecian, aunque normalmente no provoca oír música después de la rumba, pero esta parece ideal.

Por ser un disco maduro como si arrancara desde “This Moder Love” (Silent Alarm), muy parecido al final de una película de Danny Boyle, así se percibe A Weekend in the City. Guitarras armoniosas de la mano de Russel Lissack, riffs urgentes, perforadores y creativos como la nostálgica y atormentada “Where is home”, una critica directa al racismo, dedicada al estudiante Christopher Alaneme asesinado a puñaladas por skinheads en el pueblo de Kent.

La línea del bajo se mantiene firme como su antecesor gracias a la integridad y serenidad de un Gordon Moakes capaz de aferrarse a la idea compositiva original tanto en el disco como en tarima, donde Bloc Party ha tenido sus criticas negativas.

excelentes temas como “Kreuzberg” trazan la vida nocturna alemana (“Saturday night, in East Berlin/ We took the U-Bahn to the east side gallery/ I was sure that I’d found love with this one lying with me/ Crying again in the hauptbahnof”), mientras “Hunting for witches” contiene unos samplings excelentes. En contar del disco podemos decir que si antes Bloc Party tuvo que vivir con la sombra de Franz Ferdinand o Gang Of Four, esta vez, su idea de canciones de estadios como “I still remember” o “SXRT”, le acercan a U2 tratando de convencer a la multitud de que la vida te enseña y que podemos cambiar la depresión mientras hacen su transición bajo la influencia de The Cure.

Track listing

CD: Wichita / WEBB120CD (UK)

1. “Song for Clay (Disappear Here)” – 4:49
2. “Hunting for Witches” – 3:31
3. “Waiting for the 7:18″ – 4:17
4. “The Prayer” – 3:45
5. “Uniform” – 5:32
6. “On” – 4:46
7. “Where Is Home?” – 4:54
8. “Kreuzberg” – 5:27
9. “I Still Remember” – 4:23
10. “Sunday” – 4:59
11. “SRXT” – 4:51

DVD: Wichita / WEBB120CDL (UK)

CD as above plus the following on DVD:

1. “Studio Footage”
2. “Interviews”
3. “The Prayer [Video]“
4. “I Still Remember [Video]“

Bonus tracks

• “We Were Lovers” (Japanese edition) – 4:12
• “England” (Japanese edition) – 4:15
• “Cain Said to Abel” (iTunes US) – 3:24
• “Atonement” (iTunes US pre-order) – 3:46
• “Version 2.0″ (Best Buy version) – 3:19
• “Emma Kate’s Accident” (Best Buy version) – 5:38
• “Secrets” (Canadian version & Target version) – 4:06
• “The Once and Future King” (Canadian version & Target version) – 3:20
• “Rhododendron” (eMusic US) – 4:49
• “Selfish Son” (Napster and Rhapsody) – 4:59

En sisntesis el disco es agudo, amargo, etéreo, oscuro y difícil de digerir, pero placentero cuando le agarras el pulso, así se presenta este Weekend in the City. Es un disco que intenta lidiar con el abuso de drogas, inmigración, las bombas en Londres, el racismo, el modo de vida Black British, la homosexualidad y la crítica a la subcultura juvenil acompañado del sexo casual. “Para mí, lo que hace a los líderes de los grupos más atractivos es esa mezcla entre ego y vulnerabilidad -ha declarado-. Quieres ver que hay algo que les asusta, que hay conflicto”.

Esas luchas internas se muestran de forma fehaciente en un segundo CD, que funde el comentario social con el hedonismo y la depresión existencial, en lo que pretende ser el análisis de cómo es para un joven vivir en una gran ciudad occidental actualmente: las diferentes formas de experimentar el ocio y el consumo, la fiesta, la droga, la sexualidad, las subidas y bajadas sentimentales o incluso el racismo implícito con que el vocalista tiene que convivir día a día.

Es un disco que busca escapar conscientemente de la abstracción lírica del primero pero, a cambio, adquiere más pretensiones y sacrifica la inmediatez en pos de un barullo sonoro sin rumbo fijo. Ya están componiendo nuevas canciones que, dicen, les llevarán por otro camino diferente pero, mientras la incertidumbre creativa ensombrece su momento de la verdad, el público no sólo no les ha dado la espalda, sino que ha hecho que su popularidad crezca en progresión geométrica.

Las guitarras se conservan bajo la necesidad de explicar historias londinenses y cosmopolitas en un marco sonoro alentado por samplers y letras meditabundas. Es una dirección menos complaciente cargada de la intención de germinar el talento compositivo de esta banda, que por supuesto lo tiene. La característica común de los discos es que ambos parecen motivados por la misma urgencia, en parte transmitida por la sección rítmica, bajo y batería.

‘A weekend in the city’ se revela por etapas, un poco más cada vez que se lo escucha y, como los antidepresivos de los que habla, torna al auditor progresivamente adicto. Este disco quizás no tiene la magnificencia del SILENT ALARM pero a cambio de ello nos entregan algo mas social y político, personalmente me gusta mucho más.

VIDEO: I STILL REMEMBER – BLOC PARTY

VIDEO: THE PRAYER – BLOC PARTY

PUNTUACION: 8.5 / 10