andercismo

Noviembre 29, 2008

GOODAMNED – JAY BRANNAN

Archivado en: 2008, CINE/MOVIES, Cultura Pop, MUSIC REVIEWS, Música — andercismo @ 02:47

Jay Brannan (29 de marzo de 1982) es un actor y cantautor estadounidense nacido en Houston. Jay, que es abiertamente homosexual, consiguió su reconocimiento internacional con su participación en Shortbus , en papel de Ceth, un homosexual, que tocaba su tema Soda shop.

Nacido en Houston (Texas). Más tarde estudió para actor en el conservatorio de música de la Universidad de Cincinnati durante dos semestres. Brannan se trasladó posteriormente a California, primero a Palm Springs y más tarde a Los Ángeles. Brannan reside desde hace cinco años en Nueva York.

“Jay Brannan nació bajo una roca en la parte más fría del Himalaya, donde fue criado por monjes trapenses que le enseñaron a mantener su temperatura corporal sin necesidad de comida o ropa, sólo a través de la meditación y el beber mucho alcohol. Poco después de su primer cumpleaños, sufrió una gráfica y dolorosa muerte a manos de un león de montaña hambriento que no estaba muy interesado en la meditación y sólo buscaba un aperitivo.

No pasó mucho tiempo antes de que el indomable espíritu de Jay reapareciera en el sur de Texas en el seno de una familia que en realidad quería una niña. En muchos aspectos, consiguieron lo que querían.”

Brennan construyó su carrera musical interpretando canciones en su estudio casero y colocándolas en YouTube y en su página personal. En marzo de 2007, Brennan puso a la venta cuatro de sus canciones en Myspace. Estas fueron seguidas por su primer EP Unmastered y su primer álbum Goddamned, producidos por Will Golden, editados en iTunes el 1 de julio de 2008. El CD, disponible a través de su propio sello Great Depression Records, se puede obtener desde el 15 de julio.




Track listing

  1. “Can’t Have It All”
  2. “Half-Boyfriend”
  3. “American Idol”
  4. “A Death Waltz”
  5. “Housewife”
  6. “Goddamned”
  7. “Home”
  8. “Bowlegged & Starving”
  9. “On All Fours”
  10. “String-A-Long-Song”


Brannan ha realizado su primera gira internacional por el Reino Unido en agosto y septiembre de 2008 con otro miembro del reparto de Shortbus, Bitch.

Brannan consiguió un papel en la película Shortbus de John Cameron Mitchell tras enviar una grabación de una audición. En Shortbus, actúa en el papel de un personaje llamado «Ceth», que canta una de sus propias canciones, Soda Shop una canción que aparece en la banda sonora. Posteriormente apareció como «Jake» en la película de 2007 Holding Trevor.


VIDEO: HOUSEWIFE – JAY BRANNAN (SUBTITULADO)



VIDEO: SAY IT´S `POSSIBLE – JAY BRANNAN  & TERRA NAOMI
 Aquí lo tienen haciendo Say It’s Possible, un tema de Terra Naomi (otra de las estrellas de YouTube):

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Noviembre 26, 2008

MUSIC FOR TOURISTS – CHRIS GARNEAU

Archivado en: Cultura Pop, MUSIC REVIEWS, Música — andercismo @ 01:36

La música de Chris Garneau tiene el sello de Brooklyn con ingredientes de Francia, Nueva Jersey o Boston que configuran su personal estilo. Su disco, Music for tourists (2007) está producido por Duncan Sheik y considerado como «la esencia de la música». Gracias a su voz y a la maestría con el piano, nos traslada a un mundo de paisajes limpios, diáfanos y subyugadores.

La crítica especializada se ha esmerado en comparar a este joven con Rufus Wainwright. Existen varias similitudes entre uno y otro, en especial por el pop melódico, instrumental y con presencia orquestal que ambos fabrican, pero si buscamos mas profundo nos daremos cuenta que no estan asi. Chris Garneau recuerda más a Damien Rice que a Rufus Wainwright.

‘Music for tourists’ es el nombre del primer largo de Garneau, con apocalíptica portada, que nos trae a la memoria algunas desgracias no muy lejanas.

Aceptamos que Garneau comparta con Rufus varias cosas: la primera, el pop melódico, en el que Wainwright es experto. La segunda, la instrumentación orquestal, aunque en el caso de Garneau se centra fundamentalmente en cuerdas (piano, violín y violonchelo). Rufus por su parte ha tirado algo más por el barroquismo (ahí están algunos temas del ‘Want One’ y ‘Want Two’ para demostrarlo) y no por el menos es más, precisamente. En lo que sí se parecen es en la presencia de piano, que es magistral y en las referencias al mundo marica en sus letras, que nos imaginamos que es lo que ha llevado a la mitad de los críticos a olvidarse completamente de que este chico es más parecido a Damien Rice o a Elvis Perkins que a Rufus Wainwright.

El resultado es este ‘Music for Tourists’ que, sin duda, se convertirá en una referencia inevitable para los amantes del buen pop melódico. Podría parecer que Chris Garneau llega tarde. Este cantautor aterriza en nuestro país cuando gente como Damien Rice, Sufjan Stevens o Rufus Wainwright -con el que le han comparado sin parar en los últimos meses- ya han alcanzado su máxima popularidad y ahora lo que parece que se lleva es otra cosa. Sin embargo este jovencito ha estado todos estos años aprendiendo de éstos y de su maestro por antonomasia, Elliott Smith.

En él, Garneau sobresale como un excelente letrista capaz de sacarle punta a cualquier situación y demuestra que no ha olvidado su formación clásica, que tiene una presencia bastante significativa a nivel musical.

Chris Garneau, un intérprete sensible que hace canciones fundamentalmente acompañado por un piano (y modestísimos arreglos de cuerda). Es música intimista, casi de luz de mesilla y habitación oscura, mientras la audiencia se deja transportar por la melodía. Entre los músicos a los que se citan reiteradamente como referencia están Damien Rice, Elliott Smith (de quien incluye en el disco físico, como Bonus Track, una versión de su Betweeen The Bars), Sufjan Stevens, … Trece canciones que mantienen un nivel excelente, siendo al tiempo variadas pero conectadas. Música muy romántica, introspectiva y sensible. Sus melodías de piano se convierten entonces en su seña de identidad y sus orquestaciones podrían emparentarle con Wainwrigh, sólo que en su caso son mucho más austeras. Como Rufus ya tenemos uno, y nos sobra, nos quedamos con la sensibilidad que transmite en cortes como ‘Black and Blue’, ‘Relief’, ‘Not Nice’ o la versión se ‘Between the Bars’ de su adorado Smith.


Tracklisting

  1. “Castle-Time” – 3:58
  2. “Relief” – 3:45
  3. “Black & Blue” – 5:32
  4. “Saturday” – 2:21
  5. “So Far” – 4:23
  6. “First Place!!!” – 4:14
  7. “Hymn” – 1:40
  8. “Baby’s Romance” – 4:37
  9. “Not Nice” – 5:31
  10. “Blue Suede Shoes” – 3:09
  11. “We Don’t Try” – 3:41
  12. “Sad News” – 6:01
  13. “Halloween” – 4:52
  14. Between the Bars” (Elliott Smith cover) – 3:05


A estas alturas, en las que todo cantautor que se precie sabe hacer un disco bonito con los mismos elementos y es tan difícil que uno sobresalga entre tanta homogeneidad, Chris Garneau aparece como la nueva voz más potente del género.

A Chris Garneau le gusta definirse como intérprete de pop barroco. Cabría añadir que es un pop barroco no demasiado barroco. Porque la sutileza de los arreglos de cuerda y teclados que inyecta a sus baladas no encaja con adjetivos propios del barroco, como podrían ser excesivo o recargado. Este estadounidense se asemeja más a un émulo de Elliott Smith, su ídolo, que aplica lo del “a flor de piel” de una manera más amanerada, o teatral, más de piano dolido a lo Rufus, con un sentimiento trágico de la vida reflejado en unas letras negrísimas, las de su debut “Music For Tourists”.

En cualquier caso, este disco de Chris es ya uno de mis favoritos para esas veladas amorosas que requieren prolegómenos, de las que se toman su tiempo (y que necesitan su tempo) para culminar. Es fantástico tener a tu propio (y discreto) pianista amenizándote la velada mientras tú te concentras en aprovechar la belleza que se escucha por los altavoces.

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Mayo 16, 2008

MADONNA – HARD CANDY

Archivado en: Cultura Pop, MUSIC REVIEWS, Música — andercismo @ 20:24

The reinvention queen is back … in the times of de hard candy …

Madonna Louise Veronica Ciccone, más conocida como Madonna o por el grandioso término de “la reina del pop”, ha presentado sus credenciales para volver a ocupar el trono unos cuantos años más. Hard Candy es el nombre del undécimo álbum de estudio de la cantante estadounidense Madonna. Producido por ella, Pharrell Williams, Timbaland y Nate “Danja” Hills, el álbum contiene samples y beats electronicos con un estilo hip hop con influencias de R&B contemporáneo. Su lanzamiento mundial se fijó para el 28 de abril de 2008, y para el día siguiente en Estados Unidos. Éste es el último álbum de estudio que Madonna lanzará con Warner Bros. Records.

“Music” se convirtió en el último número uno de Madonna en Estados Unidos, hace ya casi ocho años, y sus posteriores trabajos pasaron sin pena ni gloria. Ni siquiera el álbum “Confessions On A Dancefloor”, multiplatino en todo el mundo, logró ventas decentes. ¿Podía Madonna recibir una bofetada semejante y no reaccionar? Ella, que había sido la musa del pop norteamericano, el rostro de la MTVy la cantante femenina más famosa de la historia, tenía que idear algo. Así, hizo las maletas, salió de su bella mansión británica y se embarcó rumbo a EE. UU., para empaparse del sonido del momento. Puso manos a la obra y contactó con el productor de moda, Timbaland, el chico del momento, Justin Timberlake, y fabricó un bombazo musical titulado “4 Minutes”, que ha logrado el milagro de colocarse en el top 5 del Billboard. Pero “Hard Candy” es algo más que una plataforma para regresar a lo más alto de las listas: es un viaje musical que demuestra que Madonna está en plena forma. Muy lista ella, solo confió un pequeño porcentaje de canciones a Timbaland y se aseguró control absoluto en el resto de temas, de la mano de otro productor, Pharrell Williams. Con él, ha compuesto un jugoso puñado de melodías llenas de frescura y creatividad. Habría que remontarse a más de una década para escuchar a una Madonna tan inspirada con temas como “Heartbeat”, “She’s Not Me” o “The Beat Goes On”. Canciones muy largas, de hasta seis minutos de duración, donde los cambios, giros, rotura de melodías y voces poderosas han logrado que medio mundo diga: “Vaya, si ésta es la Madonna de toda la vida”.

Por ahora, la jugada le ha salido redonda. No solo ha logrado que las emisoras de radio vuelvan a pinchar su música, sino que parece que ha atrapado a una nueva generación de fans. En realidad, el secreto del éxito de Madonna reside en su capacidad para captar nuevos seguidores. Con “Ray Of Light” logró que millones de adolescentes ocuparan el hueco que habían dejado sus primeros fans, aquéllos que tarareaban el “Like a Virgin”; con “Confessions On A Dancefloor”, una nueva hornada sustituyó a los que la habían abandonado tras el fracaso de “American Life”. Ahora, el objetivo son los adolescentes norteamericanos, fans de Beyoncé y Justin Timberlake y que hasta ahora veían a Madonna como a una vieja cantante que hacía años había sido famosa.

Las ventas de “Hard Candy” dirán si esta vuelta de tuerca ha merecido la pena. Por ahora, la crítica musical ha agradecido el lavado de cara de Madonna y Europa también ha abrazado su nuevo sonido. “4 Minutes” encabeza la lista británica y el tema suena por todo el continente. Tras 25 años de éxitos, decenas de singles de éxito y cientos de millones de discos vendidos, Madonna regresa para seguir siendo la número uno. (Fuente: Heraldo)

Timbaland y Pharrell Williams fundaron el pop de la década con las transformaciones de Nelly Furtado, Britney Spears y Gwen Stefani al R&B. De no haber seguido ese camino, estas chicas hubieran quedado sepultadas por el avance del hip hop, cantándole a los pájaros, a la virginidad o a su embarazo psicológico con su banda de ska punk en decadencia. Pero Madonna no es como estas chicas. De hecho, hasta ahora había reflejado los sonidos de la cultura club de cada período con productores que trabajaban fuera del mainstream (William Orbit en Ray Of Light, Mirwais en Music y Stuart Price en Confessions On A Dancefloor).

Sus doce temas aportan un pizca de sal y pimienta al tono discotequero del anterior, Confessions on a dance floor, dándole matices más oscuros pero igual de bailables. Las manos de Timbaland y Pharrel Williams, omnipresentes en todos los tracks del álbum, se dejan notar tanto como la de la propia Madonna. Mucho bombo potente y a veces sincopado, y las atmósferas y cambios de tiempo made in “el Rey Midas” son las notas que caracterizan este nuevo y esperado trabajo. No hay que olvidar a Justin Timberlake, que también aporta su granito de arena al incluir en muchos de los temas su voz melosa.

La dominación no es sólo un fetiche para Madonna, es su religión. Asi que sorprende que su undécimo álbum de estudio y último para Warner sea un acto de sumisión. Para “Hard Candy”, la meditación de la mediana edad de Madonna, deja el juego en manos de productores de primera.

Timberlake es el doctor de la melodía del disco, y se roba a sí mismo elementos de su “What Goes Around… Comes Around” para el “Devil Wouldn’t Recognize You” de Madonna. Madonna coescribe pero no coproduce los cinco temas de Timberlake-Timbaland, que tienen más sello de ellos que de ella. Son temas sólidos, pero un pelín anónimos.

4 MINUTES

Gracias a la infiltración a internet del demo se pudo conocer un adelanto de la canción, la versión publicada difiere solo en la letra. La canción contiene un estilo de R&B contemporáneo con influencias de otros estilos de hip-hop combinado con sintetizadores y el sonido continuo de trompetas que le dan a la canción un sonido muy urbano y un tanto retro; en cuanto a la letra se puede escuchar a Justin Timberlake cantando «we only got four minutes to save the world» (solo tenemos cuatro minutos para salvar al mundo) y a Madonna diciendo «tick-tock, tick-tock» imitando a un reloj, no muy diferente al «tick tick tock» de «Hung Up», ya para finalizar Timbaland hace un puente para cerrar la canción diciendo «I only got 4 minutes to save the world» (solo conseguí 4 minutos para salvar el mundo); sin embargo, dicho puente solo se encuentra en la versión álbum ya que en el “radio edit” no se puede escuchar.[6]

Según la propia Madonna la canción está inspirada en el actual caos que vive el mundo, también dice que es una invitación a cambiar para mejorarlo y a decir que nunca es tarde para hacerlo. Sobre la canción Madonna ha dicho lo siguiente:[7]

Si prestas atención a lo que suceden en el mundo, el medio oriente, las elecciones en Estados Unidos, el medio ambiente, hay mucho caos en todas partes. ¿Vas a ser parte del problema o de la solución? La gente también necesita ser animada. También necesitamos divertirnos un poco y recibir algo de optimismo

La canción fue elegida para presentar el álbum como el primer sencillo en una fiesta organizada por Madonna a finales de 2007 por Warner Bros a la que acudieron personas de dicha discográfica; lo que se buscaba era elegir el primer sencillo del álbum, Madonna buscaba que el primer sencillo del álbum fuese “Candy Shop”; sin embargo, los ejecutivos de Warner pensaron que dicho tema, el cual ya se había infiltrado completamente a la red, no lograría éxito ni aceptación del público, por lo que “4 minutes to save the world” (más tarde llamado “4 minutes”) fue seleccionado por ser un tema pegadizo y que seguramente tendría más éxito que “Candy Shop”. Los remixes para su publicación comercial fueron hecho por Bob Sinclair, Junkie XL, Peter Rauhofer y Tracy Young. En la portada del sencillo aparecen Madonna y Justin Timberlake juntos en una fotografía a blanco y negro tomada por Guy Oseary, manager de Madonna, durante las grabaciones del video musical, dicha imagen es muy sencilla y con un estilo retro.

La tensión creativa entre Madonna y Pharrell Williams se nota. Williams golpea botes de pintura para generar el ritmo de “Candy Shop”, y rebota en el himno “Give It 2 Me” con sintetizadores muy de club y una de las metáforas favoritas de Madonna en cuanto a la vida-baile-sexo: “Don’t stop me now, don’t need to catch my breath/I can go on and on.”

“Heartbeat” suena a “Lucky Star,” y “Beat Goes On” es uno de los temas con campanas y silbatos, que recuerdan a Chic, Nile Rodgers y Donna Summer.

“Incredible” es un tema retador que habla sobre el anhelo de los idílicos comienzos de una relación. Hay melancolía en “Miles Away”: “You always have the biggest heart when we’re 6,000 miles apart”, canta Madonna.

Madonna le da al español en la literalmente dolorosa “Spanish Lesson” que recuerda al “Like I Love You” de Timberlake. Afortunadamente, también está la retro boogie “She’s Not Me”.

Madonna aún puede con competidoras la mitad de jóvenes que ella, porque tiene un sonido muy flexible (igual que su cuerpo, sino a ver quién puede poner una foto tan caliente de su entrepierna en la portada de un disco). Incluso cuando lucha con los bruscos cambios de estilo de Pharrell o la absorbe una melodía de Timberlake, Madonna encuentra su camino de vuelta a la cima. El atmosférico tema que cierra el disco, “Voices”, se pregunta “Who is the master, who is the slave?”, antes de que su descenso operístico acabe con un dramático tañido de campana. La respuesta para ambas preguntas es, aún, Madonna.

En resumen, Madonna vuelve a ser la que era y la que es, al alfa y omega de la mayor reina del pop que nunca salió de la pista de baile.

Track listing

  1. “Candy Shop” (P. WIlliams, Madonna) — 4:15
  2. “4 Minutes” (featuring Justin Timberlake and Timbaland) (Madonna, T. Mosley, J. Timberlake, N. Hills) — 4:04
  3. “Give It 2 Me” (P. WIlliams, Madonna) — 4:48
  4. “Heartbeat” (P. WIlliams, Madonna) — 4:04
  5. “Miles Away” (Madonna, T. Mosley, J. Timberlake, N. Hills) — 4:49
  6. “She’s Not Me” (P. WIlliams, Madonna) — 6:05
  7. “Incredible” (P. WIlliams, Madonna) — 6:20
  8. “Beat Goes On” (featuring Kanye West) (P. WIlliams, Madonna, K. West) — 4:27
  9. “Dance 2night” (Madonna, T. Mosley, J. Timberlake, H. Lane) — 5:03
  10. “Spanish Lesson” (P. WIlliams, Madonna) — 3:38
  11. “Devil Wouldn’t Recognize You” (Madonna, T. Mosley, J. Timberlake, N. Hills, J. Henry) — 5:09
  12. “Voices” (Madonna, T. Mosley, J. Timberlake, N. Hills, H. Lane) — 3:39


Bonus tracks

  • iTunes Pre-order Edition, iTunes Deluxe Pre-order Version, CD Japanese Edition:
  1. “Ring My Bell” (P. WIlliams, Madonna) — 3:54
  • iTunes Deluxe Pre-order Version, Deluxe Digital Version:[43]
  1. “4 Minutes (Peter Saves New York Edit)” — 5:00
  2. “4 Minutes (Junkie XL Remix Edit)” — 4:38
  3. “Give It 2 Me (Paul Oakenfold Edit)” — 4:59
  • CD Special Edition Box Set:
  1. “4 Minutes (Tracy Young House Mix Edit)” — 3:33
  2. “4 Minutes (Rebirth Anthem Mix Edit)” — 3:42

VIDEO: MADONNA – HARD CANDY

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MADONNA – CONFESSIONS ON A DANCE FLOOR

Archivado en: Cultura Pop, MUSIC REVIEWS, Música — andercismo @ 20:01

“Confessions On A Dance Floor” es un disco lanzado en noviembre del 2005 en el que Madonna reinventa la música de baile de nuestro tiempo. Con un impresionante salto creativo hacia una nueva dimensión de la música disco, el álbum esta compuesto por 12 nuevas canciones que consiguen capturar la fuerza de los primeros éxitos de esta superstar. Ganadora de varios premios Grammy, la artista forma ya parte de la historia de la música, con ventas internacionales por encima de los 200 millones de discos. Su enorme influencia musical ha logrado 33 números uno de la música de baile; ha colocado cinco álbumes en lo más alto de las listas, ha tenido 46 singles en el Top 40 y ha obtenido 20 premios de la MTV por sus vídeos musicales.En el CD se han eliminado los espacios entre canciones, consiguiendo que sea como una sesión de DJ para bailar sin interrupciones durante casi una hora.

“Ahora puedo decirles sobre el lugar al que pertenezco, puedo ver las cosas como realmente son.” Así, el leit motiv del nuevo disco de Madonna: Confessions on a Dance Floor, en fondo y forma. La reina del pop “se confiesa” sobre la pista de baile, en la que posa a piernas abiertas desde la portada del disco: ya no desde la provocación sexual, si no más bien desde las posturas del yoga. Aunque cante estos versos sobre la verdadera esencia de las cosas en el tema Let It Will Be y los escriba en el librito en el cd, lo erótico estará presente: “sólo mírame arder”.


Ochentero y apto para eliminar toxinas en las pistas de baile. Así es ‘Confessions on a dance floor’. En él homenajea a grupos como Abba y revitaliza los 80, época en la que comenzó a ser un icono. Con este disco actualiza esa década siendo la estrella femenina más importante de la música. Tras lanzar una metafórica granada a George W. Bush y hacer suya la iconografía del ‘Che’ Guevara en ‘American Life’, regresó luciendo ‘body’ y mallas con un solo propósito: “Quiero que la gente salte de sus asientos y lo pase bien”. La ambición rubia —pelirroja en las fotos promocionales— se corona de nuevo como dueña y señora de las discotecas. De esta manera ‘Confessions on a dance floor’, es una hora de música sin interrupciones, como si se tratase de una sesión seleccionada por un DJ.

Sonido hedonista

Doce nuevos temas que hacen olvidar a Mrs. Richie como autora infantil y estudiosa de la Cábala para tener bien presente a la que hermana a generaciones en los clubes. Ahora lo vuelve a hacer, a sus 47 años, con ‘Hung up’ (en el que ’samplea’ el ‘Gimme! Gimme! Gimme!’ de Abba) como primer single; ‘Sorry’ ; ‘Forbidden love’; ‘Jump’, ‘Push’ ,’Get Together’, ‘Future Lovers’, ‘I Love New York’, ‘Let It Will Be’, ‘How High’, ‘Isaac’ y ‘Like It Or Not’.

“Yo sólo quería hacer un disco homogéneo, para una fiesta, en el coche, o donde sea, un disco en el que no tengas que saltar una balada. Sólo tienes que ponerlo y tendrás música dance sin parar, durante una hora”, confesó la estadounidense durante la promoción del albúm. Y así lo hizo en grandes urbes y pequeñas localidades, en antros, templos de la noche, clubes modernitos y discotecas de extrarradio.

Producido por Stuart Price, experto en el ‘reciclaje’ del sonido de los 80, en estas ‘confesiones’ discotequeras hay tributos evidentes a los Jackson Five, Donna Summer o The Police. De su mano, Madonna los metamorfosea al tiempo que lo hace consigo misma, como en cada disco. Como se enorgullece en una de sus nuevas composiciones: “Yo soy así. Puede gustarte o no. Ámame o déjame, porque no voy a parar nunca”. La incontestable reina del pop no parece dispuesta a cederle su trono a ninguna de sus imitadoras.

Madonna, la Reina del Pop, publicó el que ya es uno de sus mejores discos, ‘Confessions on a dance floor’. Concebido como una sesión continua de música de baile de casi una hora de duración, sin silencios entre tema y tema, el álbum prescinde totalmente de las baladas.

Ningún sencillo de American Life (2003) llegó a ubicarse entre los diez más importantes en el Hot 100 de la revista Billboard, principal medidor de la industria musical estadounidense. Además, el disco apenas vendió cinco millones de copias en todo el mundo, a diferencia de otras producciones como Like a virgin (1984), que alcanzó el doble sólo en Estados Unidos.

En una movida lógica, la intérprete vuelve a las bases de su prolongada carrera. Luego del tambaleo, regresa a las discotecas que acobijaron sus comienzos. No es simplemente que retoma un sonido bailable (escuchado hace pocos años en Ray of light, 1998). Ella ha renovado el sonido del disco music, con la ayuda del productor Stuart Price, también acreditado como Les Rythmes Digitales o Jaques Lu Cont por sus obras como remezclador.

También han colaborado Henrik Jonback (Britney Spears), Anders Bagge, Preer Astrom (del colectivo Murlyn Music), y Mirwaiz Ahmadzai, quien lo hizo en Music (2000) y el citado American Life.

El primer single, ‘Hung Up’, ya está en boca de todos. “Sample” de Abba mediante (imposible no reconocer ese ‘Gimme! Gimme! Gimme! (a man after midnight)’) ya ha llegado más alto en las listas americanas que cualquier single de ‘American life’. Además de ubicarse durante meses consecutivos en el primer lugar del World Chart. El tema es un buen resumen de lo que encontrarás en el resto del disco: revisionismos dance, electro y disco y “samples” de todo tipo de grupos.


Video

El video musical de Hung Up fue dirigido por Johan Renck, y filmado en varias locaciones de la ciudad de Londres. Inicialmente iba a ser dirigido por David LaChapelle, pero él buscaba un estilo “realista” por llamarlo de alguna manera, que no iba muy de acuerdo con la canción y con lo que Madonna había buscado: baile y coreografías. LaChapelle (que había dirigido el clip de Dirrty de Christina Aguilera) decidió no llevar a cabo la realización por la diferencia de estilos, y fue remplazado por Renck. El video se filmó en Londres entre el 7 y 9 de octubre y algunas escenas en Los Ángeles, California; estrenándose a nivel mundial a principios del mes de noviembre.

La coreografía estuvo a cargo de Jamie King, con quien La Reina del Pop ya había trabajado con anterioridad. Un dato curioso y no muy agradable fue que Madonna se había lastimado la rodilla, el hombro y parte de la cadera montando a caballo aproximadamente tres meses antes de la filmación del video. Según ella, el videoclip se inspiró en el filme Saturday Night Fever (conocido en español con el nombre de Fiebre de Sábado por la Noche).

Hung Up hizo su gran «première» en canales importantes a nivel musical como MTV en todas sus versiones internacionales, pero especialmente en la estadounidense en el programa Total Request Live (mejor conocido como “TRL“), donde el 27 de octubre de 2005 llegó a la posición #1 y se mantuvo durante 10 días alternándose con “Don’t Forget About Us” de Mariah Carey que debutaron el mismo día en el conteo. Ambos fueron retirados el 6 de febrero de 2006 al haber cumplido 50 días dentro del top 10 de MTV.

El siguiente single, ‘Sorry’, rescata el gran ‘Can you feel it’ de los Jackson 5. A pesar de que en principio no resulta tan pegajosa como ‘Hung Up’, la melodía de la canción es más independiente del “sample” y el resultado promete ser igual de exitoso.

Otro de los temas que más ha dado que hablar ha sido ‘I love New York’, que incorpora el ritmo del ‘I wanna be your dog’ de Iggy Pop & The Stooges. La canción, la primera de la que conocimos el título hace ya unos meses, podría ser interpretada como una reconciliación con América tras su crítico disco anterior… pero no. En ‘I love New York’ Madonna se mete con Texas y Los Angeles, a las que califica de poco menos que aburrimiento.

No todas las canciones tienen “samples” tan evidentes. ‘Future lovers’ sí suena como una revisión robotizada del ‘I feel love’ de Donna Summer. Y ‘Forbidden love’, que no tiene nada que ver con su ‘Forbidden love’ de ‘Bedtime Stories’, se parece al ‘Fade to Grey’ de Visage tanto como el ‘One Word’ de Kelly Osbourne. Pero otros sonidos son mucho más irreconocibles…

El único momento en el que el tempo cae es en el tema central de Confessions…, “Isaac”. La canción, se dijo, está inspirada en el místico del siglo XVI Yitzhak Luria, pero eso fue negado por Madonna. Como sea, con el canto en hebreo y las frases rabínicas, es el gesto más explícito del disco respecto a sus prácticas espirituales. El ritmo galopante y el loop de guitarras acústicas en cascada crean una dinámica intrigante, evocando tanto la música africana como la de Europa del Este, pero la letra es elusiva. “All of your life has all been a test” ["toda tu vida fue una prueba"], entona solemnemente. Como mucho de Confessions…, resulta demasiado indirecto. El tema provoco tanta controversia que los judíos Rafael Cohen e Israel Deri pidieron la expulsión de Madonna del Kabbalah. Ella, que ha negado que el tema verse sobre el profeta llamado Isaac, sí ha reconocido que el tema contiene un “sample” del ‘Every breath you take’ de Police, pero aparece bastante escondido.

En realidad, Madonna con este disco no tuvo ganas de polemizar. ‘Confessions on a dance floor’ es un disco básicamente para pasarlo bien, como ella misma demostró en la fiesta “sorpresa” que se celebró en el club Roxy de Nueva York. Allí apareció ella misma para pinchar en exclusiva algunos de sus nuevos temas. Incluso se la pudo ver bastante desfasada bailando sus propias canciones. Algo que sólo Madonna puede hacer con dignidad.

Por último, Confessions on a dancefloor se convierte asi en la respuesta a American life (2003), su anterior trabajo, recibido con frialdad por la crítica y que se saldó con resultados comerciales muy discretos: sólo 657.000 ejemplares vendidos en Estados Unidos, cantidad exigua comparada con las habituales cifras millonarias de la intérprete de Like a virgin y Music . Madonna reacciona ahora con un disco en el que, según ha avanzado, dominan más los ritmos agitados que los medios tiempos. “Quiero que la gente salte de sus asientos”, afirma en su web oficial, que define el contenido del disco como un ejercicio de “música de baile sin más justificaciones”.


Track listing

# Title Composers Production credits Mixed
time^
Un-mixed
time^^
01 “Hung Up” Madonna, Stuart Price, Benny Andersson, Björn Ulvaeus
contains a sample of “Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight)” performed by ABBA
Madonna and Stuart Price 5:36 5:38
02 “Get Together” Madonna, Anders Bagge, Peer Åström, Stuart Price Madonna and Stuart Price
Original Production by Anders Bagge and Peer Åström
5:30 5:12
03 “Sorry” Madonna, Stuart Price Madonna and Stuart Price 4:43 4:42
04 “Future Lovers” Madonna, Mirwais Ahmadzaï Madonna and Mirwais Ahmadzaï 4:51 4:59
05 “I Love New York” Madonna, Stuart Price Madonna and Stuart Price 4:11 4:33
06 “Let It Will Be” Madonna, Mirwais Ahmadzaï, Stuart Price Madonna and Stuart Price 4:18 4:20
07 “Forbidden Love” Madonna, Stuart Price Madonna and Stuart Price 4:22 4:22
08 “Jump” Madonna, Joe Henry, Stuart Price Madonna and Stuart Price 3:46 3:57
09 “How High” Madonna, Christian Karlsson, Pontus Winnberg, Henrik Jonback Madonna and Bloodshy & Avant
co-produced by Stuart Price
4:40 4:02
10 “Isaac” Madonna, Stuart Price Madonna and Stuart Price 6:03 5:57
11 “Push” Madonna, Stuart Price Madonna and Stuart Price 3:57 3:33
12 “Like it or Not” Madonna, Christian Karlsson, Pontus Winnberg, Henrik Jonback Madonna and Bloodshy & Avant 4:31 4:25
CD Deluxe Edition bonus track
13 “Fighting Spirit” Madonna, Mirwais Ahmadzaï Madonna and Mirwais Ahmadzaï
Additional Production by Stuart Price
3:30 -

Additional tracks

  1. “Super Pop” (Madonna, Ahmadzaï) – released via download to ICON fanclub members only – 3:40
  2. “Fighting Spirit” (Madonna, Ahmadzaï) – released on the Deluxe Edition CD as a bonus track – 3:30
  3. “History” (Madonna, Price) – released as B-side to the single Jump – 6:54/5:55
  4. “Keep The Trance” (Madonna, Ahmadzaï) – leaked onto the Internet in January 2008. Demo song from album sessions with Ahmadzaï – 2:48

Confessions on a Dance Floor podría ser perfectamente la continuación a Ray of Light, retoma su preponderancia techno electrónica, y se olvida bastante de sus dos discos intermedios: Music y American Life. Sólo que, esta vez, se impone la necesidad de entretener. Y que, también, hay menos maternidad y más filosofía (¿trascendental?) latente. “Esta es quien soy, te puede gustar o no, podés amarme o dejarme, nunca voy a parar”, dirá en el final Les guste o no les guste. Y este tema funcionará a modo de epílogo (y afirmación personal), por si quedaban dudas.



VIDEO: HUNG UP – MADONNA

VIDEO: SORRY – MADONNA

VIDEO: GET TOGETHER – MADONNA

VIDEO: JUMP – MADONNA


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Mayo 13, 2008

THOM YORKE – THE ERASER

Archivado en: MUSIC REVIEWS, Música, VIDEO — andercismo @ 23:16

“The Eraser” (2006) fue el esperado debut como solista de Thom Yorke, cantante y líder de Radiohead. La voz de Thom suena más triste y afectada que nunca y tiene un protagonismo aún mayor que en los discos de la banda, mientras que la música que la acompaña es netamente electrónica, compuesta y ejecutada por él mismo con una laptop. Las letras hablan de historias tristes y desengaños amorosos. “The Eraser” es, como se esperaba, un disco introspectivo donde la suma de la voz, las letras y los beats electrónicos –con algunos sonidos de guitarra y piano-, generan una interesante combinación que hace pensar en Thom Yorke como la versión más actual de un songwriter. Un cantautor con una fuerte identidad que, más allá de su timbre inconfundible y lejos de recurrir a la guitarra como instrumento dominante, halla justamente esa particularidad en la combinatoria de su voz con esos paisajes sonoros.

Para ello deshace el camino que llevara a la banda de Oxford hasta Hail to the Thief para retomar la senda electrónica abierta con Kid A. Aunque en esta ocasión lleva la filia por las programaciones hasta donde Radiohead no se atrevieron a llegar con su disco del año 2000, cuando la sombra de OK Computer era todavía demasiado alargada.

Thom Yorke se ha erigido, por méritos propios, en el abanderado del angst existencial y urbano del nuevo milenio y en The Eraser está más cerca que nunca de plasmar en música esa desazón vital, esa alienación del hombre moderno tan presente en su obra pretérita. No cabe duda entonces de que este trabajo es más un exorcismo personal que una artimaña comercial.


Para montar el armazón musical de The Eraser, Thom Yorke ha vuelto a confiar en las sabias manos de Nigel Godrich, el arquitecto sonoro detrás de OK Computer, que ha sabido dotar al disco de una producción detallista que no sobrecargada.

Mientras suena “Atoms For Peace”, moderada revisión del Headphones de Björk y Tricky, The Eraser está apunto de encarar su tercio final. Hace mucho tiempo Thom Yorke cogió una guitarra llena de frustraciones adolescentes y el rock acabó siendo la catarsis ideal. Luego, el destino lo llevó a los terrenos de la electrónica sombría y la progresiva deshumanización de su música fue el nuevo camino hacia el desahogo. Cuando “Cymbal Rush” cierra el disco con sus bases atmosféricas y mecánicas, resulta curioso ver cómo ha cambiado -y madurado- ese joven cabreado que una vez reventó las emisoras de radio con las guitarras de “Creep”.

En pleno 2006 esta propuesta en solitario funciona así como una culminación más del excelente giro protagonizado en los estudios de grabación de Kid A. Con el ya habitual Nigel Godrich retoma el estilo descubierto en el 2000 por Radiohead y se atreve a ir un poco más allá. Sin las depuraciones propias de un trabajo de banda, Yorke disecciona de nuevo sus oscuras obsesiones y construye otro viaje frío y seductor a su mundo interior. Evidentemente el disco está lleno de temas que bien podrían haber sido firmados por todo el grupo inglés- “The Eraser”, “Analyse”, “And It Rained All Night”- pero hay tiempo también para la experimentación. El juego que surge de las variaciones de timbre de voz fundidas con bases arriesgadas- “The Clock”, “Skip Divided”- y el intento de mezclar diversos géneros- “Black Swan”- son las propuestas algo más alejadas de lo habitual. Eso sí, sin resultar prepotente y en su justa medida.

El protagonismo en The Eraser se lo lleva la inconfundible voz de Thom Yorke, por lo demás el disco se compone de beats esquivos, sintetizadores, líneas de bajo y algún puntual arreglo de guitarra. Rayan a gran nivel temas como “Analyse”, “Atoms for Peace” o “Black Swan” donde Yorke articula su discurso a partir de utilizar varias pistas de voz (tónica general durante el disco), una programación sobria, un arpegio de guitarra y un bajo hiperkinético. En “Harrowdown Hill” combina un bajo casi funk con beats oblicuos, una gran línea de voz y unas texturas granulosas como las de Boards of Canada pero en versión malrollista. El álbum se cierra con “Cymbal Rush” canción de ritmo sofocante donde, curiosamente, aparece por primera (y última) vez el sonido de una batería acústica y Yorke recupera la melodía vocal del tema “There There” de Hail to the Thief.
En definitiva, quizás The Eraser no sorprende tanto como cabría esperar pero siempre es un placer escuchar nuevo material procedente de las filas de una de las bandas más influyentes y respetadas de los últimos años.

Puede que en paralelo los de Oxford ya estén preparados para protagonizar un cambio de dirección u otra depuración radical de su sonido. De momento, su líder da una vuelta de tuerca más y lleva al extremo los hallazgos de los últimos años. Sí, todavía se siente un extraño en un mundo distorsionado, aún sus composiciones siguen transportando su emotividad original entre tanta capa sintética. Y lo mejor de todo, su imaginación y fuerza están en pleno rendimiento, solo o acompañado, qué más da.

A Thom Yorke le sucede lo que a tantos otros artistas de nuestro tiempo. Piensa que, para ser moderno en esto de la música, la única salida viable es la electrónica. ¿Acaso no se puede ser moderno con una guitarra? En fin, tampoco caigamos en lecturas superficiales ni en juicios peregrinos porque, con The Eraser, a Yorke le ha salido bien la jugada y quizas es de lo mejor del año.

VIDEO: HARROWDOWN HILL – THOM YORKE FROM THE ERASER



PUNTUACION: 9.0 / 10


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Marzo 14, 2008

RADIOHEAD – IN RAINBOWS

Archivado en: Cultura Pop, MUSIC REVIEWS, Música — andercismo @ 13:52

Una vez mas una de las mas grandes bandas del siglo pasado a sobrepasado las espectativas y roto con lo moldes que ellos mismos antes habian creado. In Rainbows es el séptimo álbum de estudio del grupo musical británico Radiohead. El álbum fue lanzado inicialmente el 10 de octubre de 2007 como una descarga de ficheros MP3 sin ninguna protección DRM y permitiendo pagar al usuario la cantidad que creyese conveniente. Radiohead have made a record. So far, it is only available from this website. Con estas palabras, la banda firmo uno de los desplantes mas importandes e historicos a la industria discografica. Desafiando todas las leyes de mercado, el séptimo disco de estudio de Radiohead no fue lanzado en formato fisico sino que se ofrecio a traves de su site. http://www.inrainbows.com/

La gente de Radiohead ha optado por profundizar en su raíces desde el rock distorsionado de Pablo Honey a la angustia existencial de y la electrónica experimental de Kid A, ha mecido sus canciones en un cóctel orgánico que suena más humano que nunca, le han añadido una poderosa sección rítmica, y de ello han salido 10 joyas con diferentes texturas pero mismo sabor que componen un disco homogéneo que sin duda se sitúa entre lo mejor de la banda. Las canciones son todas excelente, desarrollando un mundo sonoro y lírical creado en etapas. Cada sonido en cada canción tiene razones de ser. Son como estratos sonoros mezclados para crear hermosas armonías que a veces chocan entre si. La música y la voz son mezcladas perfectamente, y forman una pareja maravillosa. Dando vida a temas únicos, canciones que comienzan en digital y terminan con un piano, como el disco en si que nos da la bienvenida con un claustro de sonidos digitales, y se despide con una transición instrumental a digital simplemente hermosa. A pesar de su fuerte carga postmoderna puede llegar a seducir varios oídos permitiéndoles degustar un poco más el post-rock, pues las composiciones son hermosas, las melodías buscan la belleza y algunos traces proveen un intensa experiencia sonora como “15 Step” con su breakbeat y su poderoso bajo o “Bodysnatches” con su complejo esquema rítmico y una fuerte dosis de psicodelia en las guitarras de Johnny Greenwood. La piedra angular del disco es ‘Nude’, una estratosférica composición que destila calidez gracias a un aroma trip hop, un bajo penetrante y una melodía que te arrastra hacia otro mundo. Desnuda, empática, brillante, es una de las piezas más arriesgadas del disco, que al lado de ‘Weird Fishes/Arpeggi’ o ‘15 Step’, mucho más deudoras de su propio sonido exhibido en Hail To The Thief, encajan en la intención ya explicada de mantener las coordenadas expuestas pero ensanchar las miras. El resto del In Rainbows gira en torno a temas más lentos con efectos atmosféricos para las voces de Thom Yorke, guitarras minimalistas y bajos que marcan las cambios en las secuencias electrónicas. Incluso se incluyen algunas bellas orquestaciones como en “Faust Arp”.

VIDEO: NUDE BY RADIOHEAD

Nude es la tercera pieza y quizas la mejor del disco, y ya se conocía desde tiempo atrás, pues se remonta a la época del ‘OK Computer’, y aunque no entró a formar parte de aquel magnífico disco, Radiohead no se olvidó de ella en sus actuaciones. Dicho esto, conviene aclarar que no es, ni mucho menos, una cara B, y que su calidad es tal que no desmerece en absoluto de cualquier canción del ‘OK Computer’, y que bien podría situarse al lado de clásicos como ‘Let Down’ o ‘No Surprises’. En Nude la tristeza se acerca al jazz crooner, con un ritmo muy, valga la redundancia, downtempo jazz, aplicando violines y coros celestiales al final del track, melancólicos acordes sintetizados y delirante bajo, nos lleva a una estratosférica composición que destila calidez gracias a un aroma trip hop, un bajo penetrante y una melodía que te arrastra hacia otro mundo. Desnuda, empática, brillante, es una de las piezas más arriesgadas y oscuras del disco. Es emotiva, delicada y penetra en lo más profundo de la sensibilidad.

Noviembre 11, 2006

EVANESCENCE – THE OPEN DOOR

Archivado en: 2006, MUSIC REVIEWS, Música, VIDEO — andercismo @ 00:45

Evanescence debe ser una mezcla entre metal sinfónico, el culto por el rock gótico, la sensibilidad emo y lo que queda del new metal. Tras el éxito mundial de su debut, “Fallen”, Evanescence está comprometido a retomar su posición dentro de la escena rockera con su nuevo álbum, “The Open Door”, que se lanzó el 3 de Octubre del año en curso.

“The Open Door” se llama el nuevo disco de la banda, el cual deja ver su evolución musical y se centra en temas de introspección, dudas, respeto por sí mismos, fortaleza y aceptación. A ver si de esta manera logran superar las 100 semanas en el top 200 de Billboard – donde su posición peak fue la casilla número 3 -, y el lleno total de los estadios y auditorios en todo el mundo en donde se presentó “Fallen”.

De acuerdo a los críticos, en el disco resaltan las letras profundas y el sobresaliente desarrollo vocal de Amy Lee, al igual que el sonido de piano de Terry Balsamo. Además, tiene más sonido de guitarras y más variedad de estilos que “Fallen”.

Con lo que algunos llamarían un ascenso meteórico, “Fallen” trajo a la banda proveniente de Little Rock, Arkansas, el éxito con 14 millones de discos en las manos de sus fans a nivel mundial, dos sencillos en el Top 10 – “My Immortal” y “Bring Me To Life”- y dos Grammy® Awards en el 2003 (Mejor Artista Nuevo y Mejor Presentación Hard Rock por “Bring Me To Life”). “Fallen” se mantuvo más de 100 semanas en el Top 200 de Billboard, fue certificado Oro o Platino en más de 35 países y permitió a Evanescence llenar arenas con ventas totales por todo el mundo.

“The Open Door” fue grabado en Los Ángeles en The Record Plant a principios del 2006 y mezclado en los venerables Ocean Way Studios durante marzo del 2006. Regresa a la mesa de trabajo su viejo amigo y productor Dave Fortman (Mudvayne, Bif Naked). La nueva producción es una muestra del crecimiento –inevitable- a nivel personal y profesional de los integrantes de la banda, con temas llenos de introspección, dudas, respeto por sí mismos así como fortaleza y expectación. Muchos de los temas incluyen coros, así como cuerdas grabadas en una vieja capilla. El álbum puede definirse por las bellas melodías de Amy Lee, letras profundas, impresionante desarrollo vocal y el sonido de piano que fusiona la urgencia de Terry Bálsamo, y aún los intrincados aportes de las guitarras, para conformar una representativa y etérea mezcla con las raíces rockeras y sensibilidad clásica de la banda.

“Ha sido muy intenso el proceso de creación de este álbum, pero me siento como si al final estuviese totalmente purificada,” dice Lee. “He pasado por tanto desde ‘Fallen’, y Terry ha sido un perfecto compañero de composición lírica – Me siento elevada a un nueva dimensión de inspiración y posibilidades. Tras todas las cosas que hemos visto y experimentado en los últimos años, lo hermoso y lo trágico, a final de cuentas siento una gran gratitud. Nos ha hecho crear música de la cual no podría estar más enamorada.”

Declaraciones de la banda

Según declaraciones de Amy Lee el nuevo disco será: “Más épico, más dark y más heavy, sin dejar de ser Evanescence”. “No quiero insultar mi primer disco, porque me encanta, pero me gusta este 10 veces más, es más sexy. En el primero era joven, pequeña y tenía miedo de expresarme. En este hablo desde el corazón, que no siempre es desgraciado”, ha comentado Amy Lee en una entrevista a la revista Blender.

“Me sería imposible juzgar el álbum con sólo una canción. Algunas canciones son más pesadas que otras que hemos escrito antes, algunas otras son más suaves, algunas más divertidas- la única palabra que lo describe es “más” Estoy leyendo esto aun pienso que no tiene sentido hablar del contenido del álbum sin haberlo escuchado. Sean de mentes abiertas.” es lo que dijo Amy acerca de las canciones del nuevo cd.

“¡Tan esperado, el nuevo disco de Evanescence en octubre! Las fechas de los conciertos en E.E.U.U. y de Canadá son para octubre y las fechas europeas en noviembre así que nos verán muy pronto por allá.” afirmó Rocky Gray sobre las fechas del tour. Aunque Reneé informó que quizás se cambien las fechas del tour. Puede que empiecen por Europa en Septiembre y en E.E.U.U. y Canadá en octubre.

Amy comentó lo siguiente acerca del primer single: “Parte de mí piensa que sería el mejor no decir una palabra sobre el primer single, porque la única manera realmente de apreciar el título de la canción es escuchándolo.” “No os confundaís, ni arco iris, ni mariposas, ‘Call Me When You’re Sober’ no es una canción alegre, no es una canción pop, no es una balada, es rock. Pero tampoco es “típicamente Evanescence”. Espero que os guste el álbum, tanto como yo lo hago, pero quiero decir algo, cada canción tiene realmente vida propia.”

En The open door todo sigue la reconocible línea del multimillonario disco previo. Hecho con estricto apego al manual, su producción es nítida e impecable, incluso en una canción que parece apartarse de esa norma como “Call me when you’re sober”, el primer single. La primera de las marcas registradas es ese bloque de guitarra eléctrica que aplica Terry Balsamo siempre con el respaldo de unos teclados que imitan violines de fondo. Luego están las pinceladas de piano, y la más importante es la voz de la cantante y pianista Amy Lee, dolorosa y siempre grabada en dos voces.

Con ella el grupo sigue teniendo su arma secreta. Una cantante con carácter, frenetica, bonita pero opuesta al prototipo de top model y por lo tanto más identificable para una legión de fans que se va a plegar a una canción nueva como “Lithium”, una oda a la melancolía adolescente titulada con el nombre del fármaco para tratar la depresión y cruzada por versos (contradictorios) como “No quiero encerrarme dentro” y “Quiero seguir enamorada de mi tristeza”. “Lacrymosa” se llama, de hecho, otra de estas canciones, y es una de las más intensas, con violines y coros sinfónicos sobrecogedores.

Evanescence termina de consagrar acá a la orquesta como un instrumento más para tocar rock dramático, y lo hacen con naturalidad pese a lo ampuloso que suena. Y, en general, el grupo agrandó la cancha a la que entró a jugar. Algunos pensaran quizás que después de ellos, los adolescentes angustiado pueden ir más allá del ruido de Korn y refugiarse sin aprensiones en las melodías tristes de Amy Lee tal vez sin saber que están disfrutando una versión de Tori Amos para principiantes y con extra guitarras. También la melancolía dark queda más accesible con bases programadas y estribillos simples y autoadhesivos.

Track listing

# Title Writer(s) Duration
1. “Sweet Sacrifice” Lee, Amy/Balsamo, Terry 3:05
2. Call Me When You’re Sober Lee, Amy/Balsamo, Terry 3:34
3. “Weight Of The World” Lee, Amy/Balsamo, Terry 3:37
4. Lithium Lee, Amy 3:44
5. “Cloud Nine” Lee, Amy/Balsamo, Terry 4:22
6. “Snow White Queen” Lee, Amy/Balsamo, Terry 4:22
7. Lacrymosa Lee, Amy/Balsamo, Terry 3:37
8. “Like You” Lee, Amy 4:16
9. “Lose Control” Lee, Amy/Balsamo, Terry 4:50
10. “The Only One” Lee, Amy/Balsamo, Terry 4:40
11. “Your Star” Lee, Amy/Balsamo, Terry 4:43
12. “All That I’m Living For” Lee, Amy/LeCompt, John 3:48
13. “Good Enough” Lee, Amy 5:31
# Title Writer(s) Duration
14. “The Last Song I’m Wasting On You” [Pre-order Exclusive] Lee, Amy 4:07
  • B Sides
# Title Writer(s) Duration
“If You Don’t Mind” Lee, Amy/Balsamo, Terry/Boyd, Will
“Together Again” Lee, Amy

Información de las canciones y singles

Algunos singles estarán en la calle antes de la venta del nuevo cd. La información de las canciones es la siguiente:

  • Sweet Sacrifice – “Dulce sacrificio” – Primera canción del nuevo álbum. Tiene una introducción oriental. En esta canción Terry parece golpear algunas notas más altas y intensas en las guitarras junto con la voz de Amy. Una canción más heavy y menos fría que Fallen.
  • Call Me When You’re Sober – “Llámame cuando estés sobrio” – El primer single que estuvo en circulación a partir de agosto del 2006. El video de este primer sencillo ya ha sido grabado, dirigido por Marc Webb y desde el 7 de agosto rodado por las cadenas de TV. El video trata la historia de la Caperucita roja, protagonizada por Amy. Junto con una introducción corta y expresiva de piano, la mayor parte de la guitarra de Terry y los arreglos de ritmo de John hacen de esta canción una de las canciones más “heavy” en The Open Door. Hace referencia a la relación que mantuvo Amy Lee con el cantante de la banda Seether, Shaun Morgan. Una letra muy directa, madura y dura.
  • Weight of the World – “El peso del mundo” – Parece que las guitarras se despidieron para la introducción cuando la voz de Amy surge entre murmullos. Esta canción llega a ser cada vez más sintética mientras que la guitarra se propulsa en un acompañamiento electroacústico. Un título radicalmente diferente en las bases de Evanescence.
  • Lithium – “Litio” – Es otra de las baladas del nuevo disco, es bastante lenta. Lithium no està inspirada en Nirvana como se decía. La canción es un dúo encantador. En el primer minuto de la canción se puede apreciar el piano y la voz de Amy, que inmediatamente es seguida por el bajo, las guitarras y los tambores que entran en la canción más tarde. Es marcada como My Immortal de Fallen. La voz de Amy es llenada de sus emociones más profundas y hace al oyente que siente una tristeza recordada en Origin. La parte del amanecer del álbum.
  • Cloud Nine – “La nube nueve” – Según cabe suponer en informaciones anteriores, está basada en películas oscuras. Con las voces de Amy susurrando que obsesiona la canción en una atmósfera muy sombría.
  • Snow White Queen – “La reina de la blanca nieve” – Es una de las canciones más góticas del álbum. La introducción tiene guitarras rigurosas y pesadas y los tambores parecen cada vez más electrónicos.
  • Lacrimosa o Lacrymosa – “Lacrimoso” – es un cover de la parte “Lacrimosa” del Réquiem de Mozart. Fue grabada con una orquesta de 22 personas, realizada por Dave Campbell, una fuente de inspiración para Amy. La banda ha dicho que “Lacrimosa tiene letra propia y está escrita en inglés.”
  • Like You – “Como tu” – Es una canción muy autobiográfica. trata del dolor que aun sigue teniendo Amy por la perdida de su hermanita.
  • Lose Control – “Perder el control” No hay mucho que decir, solo que en esa canción la banda se expresa y dicen que algunos la entenderán y otros no. Amy ha declarado que ésta es su canción favorita, que el estribillo parace “palabras susurradas”.
  • The Only One – “El único”: Se dice que es el tercer pedazo de oro de The open door. La introducción es remarcable al empezar con unas potentes guitarras. Es de algun modo nostálgica a “Missing” y hacer un poco de referencia a “Thougthless”, cuando el séptimo riff de la guitarra llega.
  • Your Star – “Tu estrella”: El piano es el instrumento principal en esta canción. Muestra una madurez del sonido de la banda. Incluye un gran riff y un coro oscuro y gótico en los fondos. Es la canción más épica de The Open Door.
  • All That I’m Living For – “Todo por lo que vivo”: Las guitarras abren esta canción y entonces entra el piano con un riff “heavy”. Hay de algún modo una referencia con el título de The open door en el coro que talla fácilmente en nuestras memorias después de escuchar un poco la canción. Se rumorea que fue escrita , en parte, por John LeCompt.
  • Good Enough – “Bastante bueno”: Es una de las baladas del CD. En un principio Amy dijo que no era una canción triste sino, diferente, más alegre y con vida. Esto fue mal interpretado por muchos fans considerando que quizás esta canción habla de la felicidad. Poco después, Reneé (esposa de Rocky) aclaró el malentendido: “Good Enough” no es una canción feliz, sino que es una balada fuerte y diferente pero no hay nada de feliz en ella. Es una de mis canciones favoritas en el álbum. Pienso que como esta escrita es verdaderamente bella y por eso es mi favorita. Es solo Amy y el piano con algunas cuerdas en el fondo”. Tiene parte de: The “Narnia” Song (la canción de la pelicula Las Cronicas de Narnia). Esta canción es el material que Amy presentó para la película “Las Crónicas de Narnia” pero que fue rechazada por ser “demasiado dark y épico”. Amy declaró que formaría parte del material del nuevo CD y así ha sido. Formará parte de Good Enough como intro aunque no completamente. Good Enough es una canción de cinco minutos. El piano y la voz de Amy intimidan realmente. Está llena de emociones oscuras.

La revista ROLLINGTONE LATINOAMERICA reseña lo siguiente:

Hace algunos años, cuando Evanescence se bajó de un micro que venía de Arkansas y vendió siete millones de copias de su álbum debut, Fallen, eran el único Evanescence a la vista. No bien vimos el video de “My Inmortal” supimos que estábamos en presencia de una heroína de la miseria adolescente, con Amy Lee arrastrándose a través de un castillo marmóreo de dolor luciendo un vestido victoriano que podría haber tomado prestado de Stevie Nicks, y una voz que venía de nosotros. Pero hoy en día hay docenas de Evanescences:jóvenes bandas buscando la combinación perfecta de delineador gótico, tono de piel mortuorio y melodrama mórbido alterna-teen. Sin Evanescence, ¿existirían My Chemical Romance o Panic! at the Disco? La bomba gótico-metal de Evanescence logró su impacto gracias a la espiritualidad de Lee, ya que ella tocaba su piano y cantaba sobre los embrujados romances tanto con chicos como con Dios. En el proceso, se convirtió en la chica cristiana zombie-vampira favorita de los norteamericanos. ¿Eso la puso contenta? Si uno escucha The Open Door debería saberlo: Amy Lee está extremadamente triste en cuanto a los chicos, Dios y mucho, mucho más.

Pero entre “Fallen” y “The Open Door” sí hubo otro disco, eso sí: no de estudio. “Anywhere but home” se llamó el disco editado a fines del año 2004 y que no recibió las mismas alabanzas del debut con “Fallen”.

Pareció con gusto a poco que un grupo novato lanzara como segundo trabajo de su trayectoria una actuación en vivo… Ya era tiempo que mostrara algo nuevo, fresco. Después de tantos pergaminos logrados en la partida, había expectación por conocer su evolución.

El DVD, en cambio, aportó al menos imágenes nuevas, con un documental que muestra a la banda de Arkansas en gira.

Así, Evanescence puso paños fríos a la espera de su público. Porque la cautivante Amy había creado expectativas en torno a nueva música. Incluso llegó a confesar que su fuente de inspiración habían sido ¡los vampiros!, después del “hechizo” que había provocado en ella ver el filme “Van Helsing”.

“Amo las películas de vampiros y ésta es, creo, la mejor que he visto. Me fui a casa muy inspirada”, señaló, contando que pasó esa noche sentada en el piano y grabando lo que le iba brotando.

Evanescence está conformado por Amy Lee (voz, piano), Terry Balsamo (guitarra), John LeCompt (guitarra), Will Boyd (bajo) and Rocky Gray (batería). Formado a finales de los noventa, Evanescence lanzó dos EPs y su primer álbum de larga duración, Origin, que incluía “My Immortal,” por cuenta propia antes de firmar con Wind-up Records, parte de SONY BMG. “Fallen”, su disco debut, fue lanzado en abril del 2003 con éxito y reconocimiento del público y de la crítica, además fue certificado 6 veces Platino. A fines del 2004, salió el DVD en vivo “Anywehere But Home” que acumula a la fecha ventas por más de 1 millón de copias.

VIDEO: CALL ME WHEN YOU´RE SOBER – EVANESCENCE


PUNTUACION: 8.0 / 10

Noviembre 10, 2006

NICKELBACK – ALL THE RIGHT REASONS

Archivado en: 2005, MUSIC REVIEWS, Música, VIDEO — andercismo @ 23:54


A estas alturas de la película, Chad Kroeger y los suyos han sabido aplicar muy bien la filosofía de “si algo funciona, para qué cambiarlo”. Es que es difícil hacer encajar a esta banda en algún marco concreto: unos la conocen por el super hit How You Remind Me, otros por la etiqueta “post grunge”, y a otros, directamente, les parece un producto más a ignorar marca de MTV. Como la gente de Chad Kroeger (vocalista y guitarrista) remarcan siempre, ellos son “una banda de rock” y punto; y la verdad es que rotularles como “post grunge” es tan insípido como llamar a Metallica “post hard rock”. De acuerdo; los punteos brillan por su ausencia y las estructuras son simplonas, pero una banda que mantiene estos niveles de contundencia sonora, con las tentaciones de pasarse a la balada que habrán soportado (recuerden a Hero BSO Spiderman, de Kroeger en solitario) merece una atención.

Centrándonos en el disco en cuestión, All The Right Reasons sigue en la onda de su predecesor, The Long Road (2003)- 3 veces platino- . Y el que niegue que este último superó con creces la calidad musical del famoso Silver Side Up (2001)- que logro conseguir seis veces platino- es que no se paró demasiado a escucharlo. All the right reasons no arriesga esta vez.

El disco se inicia con la rockera “Follow you home”. Las letras se tambalean entre lo romántico (“lo correcto”) y lo salvaje (“lo incorrecto”), con un tipo moribundo de amor poniéndole las cosas claras a su chica. Las sorpresas del corte: punteos slide y una voz invitada al más puro estilo sureño. Una canción redonda. Esta canción junto con “Animals”, muestran el lado más acelerado de Nickelback: rápido y potente.

Fight For All The Right Reasons, se acerca más al medio tiempo, pero sin abandonar en ningún momento esos momentos duros y los característicos coros del grupo, es aqui donde se confirma la ligera evolución que ha experimentado la banda, que definitivamente abandona el post-grunge para profundizar en sus influencias más metálicas. Pero es con Photograph donde Chad Kroeger se tiene que haber quedado más a gusto. La canción está diseñada para ser otro hit rompedor en radios y televisiones y los datos ya lo están confirmando. Con una pegadiza melodía y su equilibrio entre fuerza y delicadeza, Chad nos habla de la juventud en su pueblo natal de Canadá: cómo hecha de menos las caras, cómo revive su primer beso, el no ir al colegio… y lo duro que resulta el decirle adiós a todo ese pasado. Incluso el video clip fue rodado allí realmente, con la banda tocando en el gimnasio de su colegio.

Un nuevo trallazo con doble bombo lo despide e invita a que recuperemos el aliento con la primera balada del álbum: Savin’ Me. Recuerda a Too Bad (el segundo sencillo de Silver Side Up), pero en este caso con unos estribillos acústicos muy sentidos por parte del buen hacer compositivo de Chad. De nuevo vemos escarceos interesantes con los punteos de guitarra.

Y para terminar esta pausa de calma, Far Away, surge como lo más lento del disco. Una de las mejores baladas del rock moderno hasta la fecha, tambien la que mejor se ha posicionado en los chart mundiales, épica y emotiva.

Si algo sorprende al ojear el libreto del álbum es la gran frase las últimas páginas: “Éste álbum está dedicado a la memoria Dimebag Darrell” (guitarrista de Pantera, Damageplan, asesinado a finales de 2004). Por si no fuera suficiente, Side Of A Bullet completa el homenaje a su persona hablando de las armas y de las miserias que provocan, la banda consigue transmitir una fuerte sensación de emotividad. El apartado sónico guiña el ojo de nuevo a la labor del genio de Pantera, con riffs repletos de armónicos, y lo mejor, un solo de guitarra póstumo del propio Dimebag (Vinnie Paul, su hermano, le facilitó a la banda dicha grabación). La introducción de un punteo del fallecido guitarrista de Pantera en mitad del tema nos devuelve a un grupo capaz de sorprender y emocionar.

If Everyone Cared, vuelve a lo acústico con otro gran himno para la banda y Somone That You’re With, lo contrarresta volviendo a la potencia. Para cerrar, despide Rockstar; una inteligente exploración de las aspiraciones de los amantes del rock a ser superestrellas (seguro que también tiene mucho de autobiográfico). De nuevo la voz grave del primer tema vuelve como apoyo.

Track listing

  1. “Follow You Home” – 4:20
  2. “Fight for All the Wrong Reasons” – 3:44
  3. Photograph” – 4:18
  4. Animals” – 3:06
  5. Savin’ Me” – 3:39
  6. Far Away” – 3:58
  7. “Next Contestant” – 3:34
  8. Side of a Bullet” – 3:00
  9. If Everyone Cared” – 3:38
  10. “Someone That You’re With” – 4:01
  11. Rockstar” – 4:15
  12. * “We Will Rock You” – 1:55 (Wal-Mart promotion) or “Someday (Acoustic Live)” – 3:25 (Australian version)

The * indicates a bonus track.

Singles

  • Far Away“, released in February 2006 in Europe and Australia, in Canada in June 2006 and in the USA in July 2006. Reached #8 on the Billboard Hot 100 chart.
  • Savin’ Me“, released in the USA in February 2006 and in Europe in May 2006. Reached #19 on the Billboard Hot 100 chart.
  • Rockstar“, released in the USA in August 2006. Reached #4 on the Billboard Hot Mainstream Rock Tracks chart.
  • If Everyone Cared” was released on radio in Australia in October 2006. It has yet to be released anywhere else as of right now. Expect it to be released worldwide by the end of 2006

Considerados como unos de los máximos exponentes del movimiento post-grunge, Nickelback han sabido encauzar su carrera hacía fórmulas de éxito, algo que repiten con este trabajo, aferrándose al principio “si una fórmula funciona, por que cambiarla”. Las armas con los que los canadienses vuelven a conquistar a sus fieles son bien conocidas, rock accesible, pegadizo y directo acompañado de un sonido y producción inmejorables; Tampoco sería justo dejarse deslumbrar por semejante resplandor áureo, por eso quizá no esté de más acusarlos de algo de falta de originalidad en su propuesta, pero también es cierto que los resultados hablan por sí mismos, y hoy por hoy gozan con el difícil beneplácito del público.

Nickelback han sido tachados a veces como vendidos del grunge debido al alto número de canciones de sus discos emitidas por la radio. Además, también son acusados por los críticos de utilizar clichés, de no innovar en el género, de “depresivamente malos” e incluso los califican de “inenarrablemente horribles”. Su ex-batería, Ryan Vikedal, también lanzó duras críticas sobre ellos al ser despedido, según él, de forma injusta, habiendo emitido el grupo un comunicado que decía que Vikedal había había dejado el grupo amistosamente. Tras esto Vikedal fue reemplazado por el batería de 3 Doors Down, el también canadiense David Adair.

En octubre de 2005, All The right reasons, último disco de los canadienses Nickelback, debuto en el nº 1 de las listas de éxitos estadounidenses. La banda canadiense que lidera Chad Kroeger vendió más de 300.000 ejemplares de su último trabajo en su primera semana en las tiendas.

Composiciones suaves de marcado sentimiento envueltas en abundantes pasajes melódicos, convivencia de guitarras eléctricas y acústicas, y como siempre la personal voz de Chad Kroeger marcando la pauta son las constantes de este disco, en resumen, All The Right Reasons no defraudará a los fieles de Nickelback pero para muchos otros no pasará de ser un disco comercial más.

Nickelback han apostado sobre seguro con este quinto trabajo. Un disco con el que seguro pasas buenos momentos, repleto de grandes temas, pero que deja la extraña sensación de haber perdido un poquito de la autenticidad que desprendían sus anteriores trabajos.

VIDEO: FAR AWAY – NICKELBACK

VIDEO: PHOTOGRAPH – NICKELBACK

PUNTUACION: 7.5 /10


Noviembre 5, 2006

MUSE – BLACK HOLES AND REVELATIONS

Archivado en: 2006, MUSIC REVIEWS, Música, VIDEO — andercismo @ 15:20



Black Holes And Revelations es el nombre de la nueva producción del conjunto británico Muse que salió el 3 de julio de 2006. El nuevo álbum del grupo de Matthew Bellamy tiene singles como Supermassive Black Hole (UK), Knights of Cydonia (US)y Starlight.

Aunque lo suyo les ha costado, pasito a pasito, Muse han ido abriéndose un camino entre los grandes nombres. Las continuas referencias a Radiohead o su supuesta pretenciosidad no fueron obstáculo para que disco tras disco, el trío británico fuese escalando hacia cotas insospechadas de popularidad. Siete años después de darse a conocer con aquel majestuoso ‘Showbiz’, vuelven a la carga con un trabajo que ha vuelto a exprimir las capacidades de Matthew y los suyos en busca de alcanzar otro nivel.

Este, su carto trabajo de estudio, sigue la línea estilística de su anterior disco, Absolution, con un estilo musical menos agresivo y mucho más oscuro, además de contar con letras más ideológicas que en sus dos primeros trabajos. En este nuevo disco tienen cierto sonido urbano, como pone de manifiesto la canción “Supermassive Black Hole”, en la que se acercan bastante al sonido de grupos como Franz Ferdinand; sin embargo, Bellamy asegura que siempre le gustó ese estilo y que ya tenía pensado desarrollarlo antes de haberles oído.

Su última obra Absolution (03) les dio el reconocimiento mundial que se merecían, y fue seguida de una larga gira mundial que tuvo su punto álgido en el festival de Glastonbury ‘04. Una fecha histórica en la trayectoria de la banda pero tambien funesta, ya que al terminar el concierto el padre de Dom Howard, asistente al festival, fallecía a causa de un ataque al corazón. El batería meditó abandonar Muse, pero gracias al apoyo de sus compañeros se mantiene en el seno del grupo.

En Black Holes And Revelations siguen presentes las referencias contrarias a la guerra y a la destrucción, de hecho la portada es una alegoría de los Cuatro Jinetes del Apocalipsis ante un paisaje marciano. Musicalmente hablando, Muse se mantienen en la linea de combinar piezas enravesadas con otras mucho más directas y efectivas, en contraposición a un trabajo tan barroco como fue Origin Of Symmetry (01).

“Black Holes And Revelations” se sale de la tónica habitual del sonido de Muse. Deja de lado ese rock de tinte oscuro al que tantos se aficionaron para dar paso a unos sonidos que se acercan más a algunas bandas de música electrónica de los ochenta e incluso a un pop no excesivamente profesado por ellos. Este comportamiento, puede que provoque reacciones adversas ante sus seguidores de siempre, pero ese es un riesgo que ya sabían que iban a correr. Muse han tratado de reinventarse a si mismos, con lo malo y lo bueno que eso conlleva, apostando por reciclarse e intentando ir un poco más allá, tarea que hay que saber como mínimo valorarles por su osadía.

El grupo ha hecho declaraciones para la MTV diciendo que espera que el cambio y mezcla de géneros musicales del nuevo disco no asuste a sus fans “El nuevo material es una mezcla “muy drástica” de estilos musicales; algunas pistas rozan el “jazz melódico” mientras que otras son el extremo opuesto del espectro, algo así como un “rock salvaje basado en el groove, influenciado por Prince”. El trabajo del influyente compositor italiano Ennio Morricone (’El bueno, el feo y el malo’, ‘Los intocables’) inspiró el tono de la canción ‘The Knights of Cydonia’ (Los caballeros de Cydonia). Y en ‘Take a Bow’, que pide a los líderes mundiales que se responsabilicen de sus acciones, Muse atraviesa tres escenarios musicales: comienza con una pieza clásica antes de pasar a una sección central techno y un final de rock apocalíptico”.

Un primer single “Supermassive Black Hole” ya ponía el grito en el cielo de crítica y afición, aunque “Knights of Cydona”, el segundo single extraído del álbum, daba alguna esperanza en demostrar que seguían siendo en el fondo los Muse de siempre. Pero en general, la estructura y estilo del disco, va por unos derroteros totalmente distintos a su sonido de siempre, abriendo con “Take a Bow”, sintetizadores, teclados y guitarras acompañan al quejumbroso grito de Mathew Bellamy, y siguiendo con temas como “Starlight” que suena totalmente setentero, “Hodoo” a lo Depeche Mode y “Supermassive Black Hole”, que es como un pupurri mega bestia de instrumentación y guitarras metálicas, un caos sonoro adulcorado por toques folkys.

El disco comienza con “Take a bow”, un tema colosal de intensidad progresiva con adornos electrónicos al estilo “Bliss” incluídos. Una melodía de sintetizador preside gran parte del tema hasta el apoteósico final. Inmejorable.

Tras el espectacular inicio se nos presenta “Starlight”, otro sensacional corte destinado irremediablemente a convertirse en himno del grupo (otro más). Muy acertada la melodía de bajo de Wostenholme que dota al tema de una rítmica muy adictiva, acompañada a veces por acordes de piano. Preciosa melodía vocal a lo largo de todo el tema, con un estribillo colosal.

Después tenemos el que fué primer single,”Supermassive Black Hole”, un tema claramente con tintes comerciales, muy rítmico y bailable, con un excelente riff de guitarra como esqueleto de la canción. Lejos de decaer la intensidad del disco, este tema la eleva con su dosis de bailoteo discotequero, un sonido algo oscuro, y notables influencias de Prince y grupos tecnodark a lo Rob Zombie.


“Map Of The Problematique” eleva definitivamente la categoría del disco a obra maestra, y eso que aún queda más de la mitad. Un tema un tanto oscuro y melancólico, con influencias de Depeche Mode, aunque con menos electrónica de la que parece. Esto es una constante en todo el disco, realmente sonidos electrónicos no hay demasiados y la sensación se debe a un uso inteligente de los instrumentos tradicionales (como también hace, a su manera, Tom Morello, ex Rage Against The Machine y actual guitarrista de Audioslave).

“Soldier’s Poem” es un bello y delicado tema, más parecido a un interludio que a una canción propiamente dicha, ya que dura dos minutos excasos. Una melodía muy bonita, coros preciosos, y una lírica al nivel de todo el disco, un tanto pesimista en este caso: “And you think you deserve your freedom,No I don’t think you do,There’s no justice in the world,and there never was”.

Le sigue “Invincible”, que comienza con una sensible melodía estilo “Soldier´s Poem”, que va aumentando progresivamente de intensidad hasta terminar en un solo de desvaríos psicodélicos impecables.”Assasin” comienza con una melodía que a más de uno le recordará a la de la serie El auto fantástico. El tema continúa con una melodía un tanto psicótica y un estribillo con bellas melodías vocales, creando un tema que se mueve entre riffs oscuros y un sentimiento pesimista.

Después viene “Exo-Politics”, con un riff de guitarra tremendamente rítmico, casi automático, la voz de Matt siguiendo melodías melancólicas y algo mas luminosas que en temas anteriores y cantando con pasión un estribillo con vocación de himno. En “City Of Delusion” encontramos las primeras influencias de Ennio Morricone que ya comentaron que iban a haber, en forma de sencillos pero efectivos complementos orquestales. Una canción meláncolica y desesperanzadora en la que Matt reza entre sonidos de ranchera: “Destroy this city of delusion, Break these walls down, Why do we face, Justify my reasons with your bloody hand”.

En “Hoodoo” las influencias de Morricone se hacen más que patentes, cercanas incluso al flamenco en una breve introducción inicial al tema. Esto puede asustar a más de uno, pero lo cierto es que luego el tema va volviendo poco a poco a su cauce normal descubriéndonos un bellísimo tema que recuerda a “Blackout” de su anterior LP. Sensacional, fantástico corte, muy intenso, cantado por un inspirado Matt.

Por último llegamos a “Knights Of Cydonia”, una composición épica con aires de spaghetti-western y una sección vocal que recuerda a los mejores Queen.Una introducción instrumental de poco más de dos minutos abre el tema, con algunos coros de Bellamy, para sumergirnos en una canción épica, con un notable trabajo instrumental, llena de cambios y con un glorioso estribillo. Inmejorable final para este excelente disco.

Track listing

All tracks written by Matthew Bellamy, Dominic Howard, and Chris Wolstenholme.

  1. “Take a Bow” – 4:35
  2. Starlight” – 3:59
  3. Supermassive Black Hole” – 3:29
  4. “Map of the Problematique” – 4:18
  5. “Soldier’s Poem” – 2:03
  6. “Invincible” – 5:00
  7. “Assassin” – 3:31
  8. “Exo-Politics” – 3:53
  9. “City of Delusion” – 4:48
  10. “Hoodoo” – 3:43
  11. Knights of Cydonia” – 6:06
  12. “Glorious” (bonus track – Japanese and online pre-order versions only) – 4:38

Limited Edition US Bonus DVD

  1. Absolution Tour Live DVD


Seguramente este no pasará a la historia por ser el mejor disco de Muse, pero tenían que intentarlo. Se salva en escasos momentos, como en “Knights of Cydona” y en alguna balada más que nos recuerda a su sonido de siempre. La clave son sus letras, que por lo menos siguen siendo igual de críticas y atacantes con la realidad que nos rodea.

“Black Holes And Revelations” es, por lejos, el disco más retorcido y dificil de digerir de Muse, con un concepto que se acerca bastante a la idea de “rock espacial”, con muchos arreglos electrónicos que recrean una atmósfera bastante particular, y que calza perfectamente con la idea de “apocalipsis” y “fin del mundo” de los anteriores dos trabajos, “Origin of symmetry” y “Absolution”. Los antes mencionados “toques” electrónicos abundan en el disco, desde la catartica “Take a bow”, dejando un rastro notable en la fantástica “Map of problematique” (Lejos, uno de los mejores tracks que han aparecido en su discografia) y hasta en “Knights of cydonia”, el punto más alto del disco, que, a primeras escuchas, parece sacado de la mejor época de Queen.

Sin embargo, “Black Holes And Revelations” se queda a medio camino de lo que fueron los tres primeros discos de Muse, simplemente porque este es el único de sus cuatro trabajos que no aparenta ser un disco “redondo”, a pesar de ser el más arriesgado del grupo inglés. No le falta profundidad, no le falta virtuosismo, no le falta atmósfera, tampoco le falta lírica. Su único problema es la falta de homogeneidad del disco. En algunos pasajes uno tiene la impresion de estar escuchando un compilado casero de grandes canciones, pero sin eslabones que las unan de manera que conformen un disco íntegro.

Resumiendo, Muse no defraudan con un trabajo que mantiene el nivel y que sin duda dará más argumentos a favor y en contra a sus seguidores y detractores. Y es que han asentado un sonido muy personal y se han ganado un puesto fijo entre las grandes bandas de la presente década.

En definitiva, ‘Black Holes And Revelations’ nos devuelve a unos Muse más ambiciosos que nunca, con su álbum más abstracto, que a la larga puede convertirse en uno de los más jugosos.

VIDEO: KNIGHTS OF CYDONIA – MUSE


PUNTUACION: 7.0 / 10

Noviembre 1, 2006

AUDIOSLAVE – REVELATIONS

Archivado en: 2006, MUSIC REVIEWS, Música, VIDEO — andercismo @ 04:02


Tras el éxito de Audioslave con “Out of Exile” y su histórica visita a Cuba, el tercer trabajo de estudio de Audioslave promete un giro en lo que a sonido se refiere, debido en parte a la admiración que siente Chris Cornell, vocalista de la banda, por los grandes cantantes de R&B. Así pues, ‘Revelations’ parece dejar un poco de lado el rock para abrazar viejas influencias R&B y mostrarnos a un Chris Cornell más intimista.

Ya no son la mera suma de elementos, Rage Against The Machine + Soundgarden, como sus dos primeros discos nos parecieron. “Revelations” es el disco donde Audioslave suena a Audioslave, donde las referencias se remiten sólo a la historia y no a los hechos actuales ni a su música actual. “Revelations” puede que sea el inicio de la carrera definitiva de Audioslave. Aparte de evitar los sonidos obvios que recuerda el trasfondo de cada uno de los miembros de la banda, también dejaron atrás la gravedad, la densidad. “Revelations” es un álbum sumamente alegre, y asimismo, completamente serio.

Parece contradictorio, pero con cada canción viene un momento gratísimo, donde se nota que este trabajo se realizó de a cuatro (o cinco si contamos al productor Brendan O’ Brian) y donde ningún elemento prevalece sobre otro. Audioslave creó su propia representación de lo que debería ser el rock and roll: diversión, alegría, funk.

El que fuera líder de Soundgarden comenta que “me encanta la música rock, pero mis cantantes favoritos no están en bandas de rock. Son Stevie Wonder, Mavis Staples, The Chamber Brothers…”. En la canción ‘Broken City’, por ejemplo, Chris Cornell explica que “mi cadencia vocal es diferente, mi acercamiento a la voz es diferente. Y con esta banda tenemos la habilidad de ir más en dirección del soul y del R&B y que sea auténtico. Es emocionante.”

En una reciente entrevista para la revista “Rolling Stone”, el guitarrista Tom Morello describió el álbum como “Un encuentro entre Led Zeppellin y Earth, Wind & Fire”, añadiendo que será “un disco pesado con un toque funky.” Entre los temas más destacados se encontrará el primer sencillo, “Original Fire” y “Wide Awake” que aborda el recuento tras el paso del Huracán Katrina. “Es probablemente el álbum con más tintes políticos que “Audioslave” ha hecho”, dijo Morello.

Para su tercer disco, el cuarteto supersónico reunió el sabor del funk de los setenta (a todo nivel, guitarra, voz, bajo y batería) con los riffs siempre pesados y característicos de Morello más una actitud renovada, por fin ya no son unos más otros, son todos juntos.

Por eso, una gran muestra de este álbum es su single, ‘Original Fire’, la exaltación de lo que significa pasarlo bien, sentir entusiasmo por la vida y por lo que haces con toda tu pasión. No todo el CD suena a ‘Original Fire’, pero sí simboliza una buena parte de lo que “Revelations” significa (“The original fire has died and gone but the riot inside moves on”, o sea, a pesar que no somos los mismos de ayer, los mismos de los años noventa, tenemos la misma pasión por el crear, tocar y cantar música).

El primer track -que hereda el nombre del álbum- abre un disco que, sin ser una maravilla, alcanza a llenar el vacío causado por su antecesor. El disco continúa con “One and the same” y “Sound of a Gun”, con uno de los mejores y más potentes riffs de entrada que ha compuesto Tom Morello en estos 4 años.

“Until we fall” puede que sea la única balada que pase desapercibida en toda la discografía del cuarteto. Simplemente le falta algo que la ponga en el mismo lugar que “I am the highway” o “#1 zero”.

El álbum vuelve a levantar vuelo con “Broken city” y “Somedays”, junto con “Jewell of the summertime”, las canciones de corte mas funk del disco. Especialmente esta última, uno de los puntos más altos de ‘Revelations’.

La añejada y gastada voz de Cornell (algo previsible viniendo de un artista que viene forzando la voz y fumando hace 20 años), encaja perfectamente en temas como “Shape of things to come” o “Moth”, la cual es bastante similar a “What you are” del disco debut. El mismo Cornell grafica un poco como es su vida actual ya habiendo sentado cabeza, casado y con familia, al leer la letra de “Nothing left but to say goodbye”.

‘One and the Same’, por su parte, comienza con un riff que evoca a esas películas de los años setenta, con el detective de chaqueta de cuero y con una seguridad irradiante. Sucede lo mismo con Audioslave: Cornell ya no canta forzado sino con soul, donde prevalece mucho más el sentido de lo compacto que de que uno u otro elemento aparezcan por sobre otro. Con un estilo similar encontramos ‘Broken City’, una canción más juguetona, tanto en las letras como en la guitarra y la misma voz. Pero eso que rescate melodías de los años setenta no quiere decir que esto sea un revival, por favor, no.

Y ‘Wide awake’, quizás la única canción política de Audioslave, entrega un fuerte mensaje a las autoridades acerca de la devastación del huracán Katrina, un grito de protesta dirigido al actual presidente de Estados Unidos, George W. Bush, por lo sucedido con el huracán Katrina en Nueva Orleans, expresado principalmente en los fragmentos: ”You can a look a hurricane right in the eye, 1200 people dead or left to die”-(Puedes ver un huracán directamente en el ojo, 1200 personas están muertas o destinadas a morir) / ”I find you guilty of a crime, of sleeping at a time, when you should have been wide awake” (Te encuentro culpable de un crimen, de haberte dormido, cuando debiste haber estado bien despierto).

Track listing

# Song Length Credits
01 Revelations 4:12 Audioslave, Chris Cornell
02 “One and the Same” 3:38 Audioslave, Chris Cornell
03 “Sound of a Gun” 4:20 Audioslave, Chris Cornell
04 “Until We Fall” 3:50 Audioslave, Chris Cornell
05 Original Fire 3:38 Audioslave, Chris Cornell
06 “Broken City” 3:48 Audioslave, Chris Cornell
07 “Somedays” 3:33 Audioslave, Chris Cornell
08 Shape of Things to Come 4:34 Audioslave, Chris Cornell
09 “Jewel of the Summertime” 3:53 Audioslave, Chris Cornell
10 Wide Awake 4:26 Audioslave, Chris Cornell
11 “Nothing Left to Say But Goodbye” 3:32 Audioslave, Chris Cornell
12 “Moth” 4:57 Audioslave, Chris Cornell

El cuarteto nominado al Grammy (vocalista Chris Cornell, guitarrista Tom Morello, bajista Tim Commerford y baterista Brad Wilk) grabó “Revelations” en los Henson Studios de Los Ángeles con el reconocido productor Brendan O’Brien cuya miríada de créditos incluyen a “Pearl Jam” y “Bruce Springsteen”; además de haberse encargado de las mezclas para el “Out Of Exile” de “Audioslave” y el “Live in Cuba” en sus configuraciones CD y DVD. Su historia con la banda va más allá, O’Brien produjo los álbumes de “Rage Against The Machine”, “Evil Empire” (1996), “The Battle of Los Angeles” (1999) y “Renegades” (2000); además de mezclar el “Superunknown” (1994) de “Soundgarden”.

“Revelations” sigue a la placa “Out Of Exile” (2005) que debutó en el No. 1 de la lista Top 200 Billboard e incluyó el tema nominado al Grammy, “Doesn’t Remind Me” y el éxito “Be Yourself”.

Mientras abunda criticas positivas para este disco, la revista ROLLING STONE en su portal para Latinoamerica publico la siguiente critica:

A mitad de camino

El grupo de Chris Cornell y Tom Morello trata de escapar de su propia fórmula, y cae en el intento.

Cualquier tipo medianamente metido en el rock alucinó cuando se enteró que se juntaban. Rage Against the Machine + Soundgarden parecía la ecuación perfecta. Sin embargo Audioslave (2002) disparó las primeras dudas. Cierta inconsistencia compositiva se acentuaba porque todo sonaba demasiado parecido a las expectativas. Out of Exile (2005) subía la puntería en la calidad de los temas, explotaba desde el rock zeppeliano contemporáneo de Tom Morello y descomprimía con algunas breves excursiones estilísticas por terrenos linderos. Al mismo tiempo dejaba pendiente la revolución interior que el guitarrista se debe desde la última etapa de Rage… Revelations expresa la voluntad de la banda por escaparse de su propia fórmula, pero también del fracaso de esa aventura. El cantante Chris Cornell declaró a todo el que quisiera escucharlo que este disco sería el más cercano al funk y rhythm & blues de su carrera. Algo de eso hay. Pero esta vez Audioslave se pierde entre rocks raquíticos, medios tiempos aguados y no termina de encontrar ni el groove ni las canciones. Así las cosas, los tracks más poderosos carecen del impacto de los discos anteriores (“Revelations”, “One and the Same”, “Somedays”); los menos intensos no dicen demasiado (“Until We Fall”, “Broken City”, “Wide Awake”); y la balada épica suena a ejercicio de estilo (“Shape of Things to Come”). Demasiado poco para cuatro tipos con semejante currículum.

Sebastián Feijoo


Las opiniones a favor o en contra del disco por parte de la critica no evitaran que los fanaticos de esta superbanda escuchen el disco, quienes siguen a Audioslave veran en este trabajo la tranquilidad de no haber esperado mucho desde su ultimo disco, el acercamiento a un nuevo sonido y una base ritmica muy poderosa, lo mas criticos en cambio pensaran que simplemente es mas de lo mismo, pero no cabe duda que es una de los grandes disco de rock del año. La prueba de fuego para Audioslave vendrá más adelante, con el lanzamiento del segundo disco solista de Cornell y una gira que recién dará inicio en enero de 2007.

VIDEO: AUDIOSLAVE – ORIGINAL FIRE


Si queres mas de AUDIOSLAVE, d
isfruta de Cornell cantando en acústico en este enlace.

PUNTUACION: 7.0 / 10

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